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26 février 2013

Mauve - Fred Barnard - Millais - Herkomer - Holl - De Bock - Van Goyen - (Artistes évoqués par Van Gogh)

"Je crois bien qu'il (Mauve) met un petit morceau de sa vie dans chacune de ses toiles et dans chacun de ses dessins. Il lui arrive d'être fatigué comme un chien, et il me disait dernièrement : ça m'use".

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(Anton Rudolf Mauve)

"J'ai devant moi un tome illustré de la "household edition" de Dickens. Ces illustrations sont bigrement belles, elles ont été dessinées par Fred Barnard"

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"Je persiste à considérer l'art anglais - par exemple Millais, Herkomer et Frank Hol - comme l'une des plus sublimes et des plus nobles expressions de l'art."

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(John Everett Millais 1829-1896)

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(Hubert Von Herkomer - 1849-1914)

 

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(Frank Holl - 1845-1888)

"J'ai vu ces temps-ci de très beaux fusains de TH de Bock en circulation ; leur ciel est indiqué avec du blanc et du bleu délicat."

 1024px-A_town_on_the_river_Vecht_by_Theophile_de_Bock_(1851-1904)(Théophile de Bock - 1851-1904)

"Une volée de pigeons blancs s'approche en planant par dessus les cheminées noires qui fument. Et au-delà, il y a l'immensité d'un vert subtil et tendre, des lieues et des lieues de pâturages à plat, et un ciel gris, aussi muet et ausi paisible qu'un Corot ou un Van Goyen."

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(Jan Van Goyen 1596-1656)

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24 février 2013

Gustave Doré (1832 - 1883) - (Les artistes évoqués par Van Gogh)

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"Rares sont les illustrateurs à avoir connu autant d'honneurs. Gustave Doré, génie précoce publié dès l'âge de 12 ans pour ses lithographies des 'Douze Travaux d'Hercule', aura cet immense privilège de connaître une gloire internationale pour ses variations autour de grands classiques de la littérature. 'La Divine Comédie' de Dante, 'Pantagruel' de Rabelais, ‘Don Quichotte’ de Cervantès, ‘Les Travailleurs de la mer’ d'Hugo ou les contes de Charles Perrault, Gustave Doré s'attaque à tous les genres en proposant, chaque fois, une lecture virtuose et inventive de situations qui l'encouragent à exprimer un univers fantastique et grandiloquent.

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 Car si Doré réalise principalement des gravures, un médium très classique, sa démarche brise toutes les attentes de son époque. Bien plus préoccupé par le mouvement, par la dynamique de ses compositions, il exige des graveurs qui interprètent ses dessins de se fier à l'interaction entre chaque élément, à la lumière qui se dégage de son oeuvre plutôt qu'à son simple trait. Une insistance et une intelligence qui rencontrent tout de suite un écho majeur dans le monde de l'art ; Gustave Doré est publié dans toutes les capitales européennes d'un monde encore secoué par les guerres franco-prussiennes et les soulèvements populaires.Une succession d'événements qui vont marquer cet infatigable artiste, auteur de près de dix mille illustrations, et l'encourager à s'installer à Londres où sera ouverte, pendant plus de vingt ans, la Doré Gallery.

Peintre et sculpteur à ses heures, Gustave Doré réalise plus d'une centaine de tableaux qui font encore aujourd'hui partie du patrimoine majeur de l'histoire de l'art en France. "

Source : Internet - Evene.fr

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22 février 2013

Hendrik Willem Mesdag (1831-1915) (Les peintres de Van Gogh - mai 1881)

1er mai 1881

"Il y a eu une exposition à Bruxelles (...)

Il y avait un (dessin de) Mesdag dont mentalement il ne fallait pas tenir compte, sinon il éclipsait tout le reste. En tout cas, j'ai eu cette impression."

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19 février 2013

Eugène Boudin (1824 - 1898) - (Les peintres préférés de Vincent Van Gogh en janvier 1874)

"Eugène Boudin était un peintre marin, expert en matière de rendu de tout ce qui est lié à la mer et à ses rivages. Il peignit notamment de nombreux tableaux décrivant la vie des pêcheurs sur les ports et les marchés ; ainsi que celle des familles bourgeoises du XIX8 siecle sur les plages de Normandie.

L'importance du ciel et des effets atmosphériques dans ses peintures lui valut d'être surnommé le « roi des ciels » par le peintre français Camille Corot. Il attachait en effet une grande importance au soleil, aux nuages, au ciel et à leurs effets changeants sur le paysage en mouvement.

Au cours de sa vie, il aura peint près de 4 500 tableaux et laissé autant de dessins, pastels et aquarelles. C'est le musée des Beaux-Arts André Malraux du Havre qui possède la plus grande collection de tableaux de Boudin, avec 224 peintures dont de nombreuses esquisses et études, toutes exposées. Une grande partie provient du « leg Boudin », comportant 60 toiles et 180 panneaux, reliquat de la vente aux enchères, le 21 mars 1899, des oeuvres retrouvées dans son atelier à sa mort3."

Source : internet - Wikipédia

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19 février 2013

James Tissot (1806 - 1902) - Les peintres préférés de Vincent Van Gogh en janvier 1874

"Peintre et graveur français. Jacques-Joseph Tissot, dit James Tissot, étudie aux Beaux-Arts de Paris dans les ateliers d'Ingres, d'Hippolyte Flandrin et de Louis Lamothe. Il débute au Salon à partir de 1859. L’artiste est surtout connu en tant que collectionneur et amateur d’art extrême-oriental. Il est l’ami d’Edgar Degas, fréquente Édouard Manet et le peintre américain James McNeill Whistler. Après la guerre de 1870, il s’installe en Angleterre et y séjourne pendant onze années, il expose à la Royal Academy et travaille pour le magasine Vanity Fair sous le pseudonyme de Coïdé. Tissot est très populaire en Grande-Bretagne, notamment grâce à ses œuvres représentant la haute société de l'ère victorienne et à ses caricatures pour Vanity Fair. Après le décès de son épouse le peintre effectue plusieurs séjours en Palestine et réalise des aquarelles de sujets religieux."

Source : Internet Universdesarts.fr

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18 février 2013

Félix Ziem (1821 - 1911) - (Les peintres évoqués par Vincent Van Gogh)

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"Né à Beaune, en Côte d’Or, en 1821 d’un père arménien et d’une mère bourguignonne, Félix Ziem travaille chez l’architecte Lemaire entre 1834 et 1836. Premier prix au concours d’architecture-composition en 1838 à l’École des Beaux-Arts de Dijon, il en est exclu aussitôt pour manque de discipline. Félix quitte alors le domicile parental et se rend à Marseille pour surveiller les travaux de construction du canal. Aimant dessiner les vieilles demeures marseillaises et encouragé par ses premiers clients importants, Félix Ziem décide de vivre exclusivement de son art. En 1840, Ziem ouvre un atelier qui accueille des peintres comme Monticelli ou Auguste Aiguier. Félix Ziem séjourne à Martigues, Nice où il fréquente la haute aristocratie européenne à qui il enseigne le dessin.

En 1842, Félix Ziem part à pieds pour Rome, échangeant de la nourriture contre des croquis, puis il découvre Venise. Une “révélation”, comme Félix Ziem le dira lui-même. Cette ville deviendra sa deuxième patrie, puisqu’il s’y rendra régulièrement, et souvent plusieurs mois par an, entre 1845 et 1892. 

Ziem est un artiste qui se place dans une époque charnière de la pratique picturale du XIXème siècle. Le travail sur le motif est essentiel, comme l’en attestent les nombreux carnets de dessins, de même que les pochades sur bois ou sur carton, bien que le tableau final relève surtout de l’atelier. C’est ainsi qu’en 1847, il vit à Venise dans un atelier installé sur un “topo”, bateau à fond plat, puis plus tard dans un “traghetto” qu’il aménage en atelier-habitation.

Toute sa vie Félix Ziem ne cessera de voyager. Constantinople, Beyrouth, Le Caire, Alger, mais aussi la Russie, la Hollande, La Belgique ou l’Angleterre seront de ses voyages. Félix Ziem fait également de fréquents séjours à Barbizon, où il s’installe dans une roulotte de forain, toujours dans le but de mieux peindre sur le motif. Il y cotoie alors les paysagistes les plus célèbres de son temps, tels Millet, Rousseau, Diaz ou Daumier.

Les années 1860 marquent une production féconde, de nombreuses expositions (Paris, Londres Exposition Universelle de 1861, ...) et un ralentissement de ses pérégrinations qui se limitent désormais à Paris, Venise, Martigues, Nice et Barbizon. En 1870, il est membre du jury de Salon, où il exposait régulièrement depuis 1849, y obtenant une médaille de troisième classe en 1851, et une de première classe en 1852 et 1855. En 1857, il est nommé chevalier de la Légion d’Honneur, officier en 1878 et enfin commandeur en 1908.

De 1880 à 1900, sa vie est rythmée par une activité toujours aussi fébrile, une clientèle importante, ses escapades vénitiennes et ses allers-retours entre ses différents ateliers de Marseille, Martigues, Nice et Paris. En 1905, il lègue au Musée du Petit-Palais plus de cinquante tableaux, de nombreuses études, carnets de croquis et aquarelles. En 1910, le Musée Ziem est inauguré à Martigues. Il est aussi en cette même année le premier artiste vivant à entrer au Musée du Louvre à l’occasion du legs Chauchard. En novembre 1911, il meurt à Paris, après avoir passé l’été à Barbizon.

La technique de Félix Ziem est très variée, et notamment dans le choix des supports. En effet, il a même utilisé le marbre, avec toutefois une prédilection pour les panneaux d’acajou, le jeu des glacis et des “réserves” sur le bois lui permettant une couleur supplémentaire et une accentuation de la perspective. Les huiles sur papier, traitées comme des aquarelles, c’est-à-dire sans reprises, mais de manière plus prononcée et plus colorée, sont cependant plus légères que des gouaches, technique qui ne l’a apparemment jamais intéressé. Si, au fil des années l’architecture du tableau est moins apparente et moins dessinée, elle perdure néanmoins. Il mélange les techniques : glacis, peinture au couteau, touches juxtaposées. Son style évoluera sans cesse avec le temps. Mais Ziem est surtout l’un des derniers peintre-artisan, utilisant des pigments naturels pour fabriquer lui même ses couleurs, en particulier le lapis-lazuli pour les bleus.

Une grande partie de sa vie a été tournée vers la recherche du soleil, et, pour un artiste, c’est la lumière du soleil qui génère les couleurs. Dans des lieux comme Venise, Constantinople ou le sud de la France, les couleurs se trouvent ainsi redéfinies. Les jaunes s’habillent d’or, les oranges de cuivre, les rouges deviennent rubis, les bleus sont cobalt, les verts se parent de citron et le blanc n’est plus que lumière. Tels sont les termes que l’on peut employer pour décrire la palette de Ziem. Ses couleurs vibrent dans une compréhension totale des effets de lumière, préfigurant le travail des impressionnistes près de 30 ans avant. D’ailleurs, Vincent Van Gogh l’enviait pour ses bleus en disant : “Je voudrais pouvoir faire des bleus comme Ziem qui ne bougent pas tant que les autres”. 

Théophile Gautier, qui compara la peinture de Ziem à celle de Turner a donné cette définition de son talent : “ Chaque artiste a une patrie idéale souvent éloignée de son vrai pays... La patrie de Ziem est Venise. C’est là que sa peinture a son domicile légal. Avec une goutte d’eau où se dissout une parcelle de couleur, il bâtit en quelques coups de pinceau une maison au crépis vermeil. Mais ce qu’il exprime mieux encore, c’est l’eau verte de la lagune, brisée en mille écailles de lumière et reflétant le caprice du ciel à travers le sillage et les remous des gondoles qui dérangent les silhouettes répercutées des palais”. 

Connu comme le peintre de Venise, Ziem a également au cours de ses nombreux voyages peint des scènes plus exotiques, des vues de la Tour Eiffel, mais aussi des portraits, des scènes de genre, des natures mortes... Nul ne sembla plus apte que lui à cette époque pour peindre Venise et Istanbul, et comprendre leurs mystères."

 (source : internet, galerie Ary jan)

 

Exposition au petit palais du 14 02 2013 au 4 aout 2013


Voir ses oeuvres :
Association Félix Ziem

5 février 2013

De la perception des couleurs et les formes

(Pour faire suite à un article de Sandrine, blog Art dessins)

Kandinsky : température, qualités humaines

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kandinsky voit les figures reliées les unes aux autres, soumises à des tensions, chaudes ou froides, jeunes ou mûres, en bref vivantes, avec des qualités humaines.

Ligne droite : horizontale = associée au froid et au noir. Verticale = associée au chaud et au blanc. Diagonale = froid-chaud, rouge libre.

L'angle droit est plus objectif donc le plus froid. L'angle aigu est le plus tendu donc le plus chaud. L'angle obtus est maladroit, faible et passif.

Les lignes courbes sont dites engendrées par des forces simultanées. Autant l'angle (ligne brisée) est jeune et irréfléchi, autant l'arc (ligne courbe) possède une force et une maturité consciente d'elle-même.

Si la tension est très forte, la ligne se replie sur elle-même et devient un cercle.

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Kandinsky étudie également le plan comme un être vivant et c'est en somme tout le problème de la composition d'un tableau.

Aux formes correspondent des couleurs :

L'angle aigu (ou le triangle) est jeune, irréfléchi, bref plutôt chaud : il est naturellement associé au jaune. Le cercle est froid, céleste, il est bleu. Le carré (ou angle droit) est intermédiaire, il est rouge. Ces associations ne sont pas automatiques, au contraire, un cercle rouge peut provoquer une surprise, une certaine sensation.

Les couleurs, comme les formes, ont des qualités humaines. Le jaune par exemple est excentrique, le bleu est refermé sur lui-même.

"La forme, même abstraite, géométrique, possède son propre son intérieur, elle est un être spirituel" (kandinsky)

Source : Maths et arts plastiques Bibliothèque tangente

Vincent Van Gogh : musique

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"Il comparait fréquemment la peinture à la musique et, dans l'espoir de mieux saisir les correspondances, les rapports entre les deux arts, il prit à Eindhoven quelques leçons  de piano auprès d'un vieil organiste. Mais cela ne dura pas longtemps, parce que Vincent, pendant ses leçons, comparait tout le temps les tons du piano à du bleu de prusse, à du vert émeraude, ou à de l'ocre jaune ou à du cadmium. Le bonhomme un jour, crut avoir affaire à un fou et il fut pris d'une telle peur qu'il cessa ses leçons." (Anton Kerssemakers)

Source : Van Gogh par Pierre Leprohon

Yves Kein : qualités humaines

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"Pour moi, les couleurs sont des êtres vivants, des individus très évolués qui s'intègrent à nous, comme à tout… Chaque nuance est seulement de la même race que la couleur de base, mais possède une vie propre et autonome.

Il y a des couleurs gaies, majestueuses, vulgaires, douces, violentes ou tristes. " Yves Klein, 1958.

Source : blog Art dessins

 

Quant à moi je les vois dotées de qualités de surface : molles, coupantes, liquides. C'est ce qui domine et ça m'est perceptible dans tous styles de peinture.

Il y a aussi des qualités humaines : fortes, mièvres, douces, hautaines, joyeuses...

Enfin elles ont une hauteur de son, que j'associe plutôt à la voix qu'à la musique, elles peuvent être silencieuses ou hurlantes, la voix peut être grave ou aigüe. Ces qualités sont plus perceptibles dans les oeuvres abstraites car les couleurs sont plus indépendantes les unes des autres.

Et vous comment percevez vous les formes et les couleurs ?

4 février 2013

"Vincent Van Gogh" (suite) - Interprétations

"Il commence la série des travaux des champs, d'après des gravures de Millet qu'il interprète par la couleur. Il s'agit pour Vincent de tout autre chose que de copies. "Je pose le blanc et noir de Delacroix ou de Millet ou d'après eux devant moi comme motif. Et puis j'improvise de la couleur là dedans, mais bien entendu pas tout à fait étant moi, mais cherchant des souvenirs de leurs tableaux... Alors mon pinceau va entre mes doigts comme serait un archet sur le violon et absolument pour mon plaisir." (Leprohon)

"Un artiste original ne peut pas copier. Il n'a donc qu'à copier pour être original" (Jean Cocteau)

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"le bon samaritain" Delacroix

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"le bon samaritain" Van Gogh

3 février 2013

"Vincent Van Gogh" (Leprohon page 175) - de l'ombre à la lumière

VAN_GOGH_2 photoVincent Van Gogh (1853-1890)

 

"Arrivé au musée il passa la plus longue durée de son temps devant "La fiancée juive", de laquelle il ne pouvait pas se détacher"

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"la fiancée juive" - Rembrandt

"Ma palette est en train de dégeler" écrit-il à Théo... il commence le périple qui le conduira vers "le japon", jusqu'à l'extrême-orient de la lumière et de la couleur".

"Quelques semaines avant son départ il peint une nature morte, cette toile est une oeuvre clé au tournant non seulement de la carrière, mais de l'esprit et de la vie de Vincent".

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 "La bible ouverte" - Vincent Van Gogh

"une bible ouverte au verset d'Isaîe qui exalte les souffrances et la réhabilitation finale du serviteur de Dieu,  et un roman français moderne "la joie de vivre" de Zola"

"ainsi est illustrée de façon saisissante le passage chez Van Gogh des ténèbres à la lumière, de "Sorrow" à la joie"

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"Sorrow" - Vincent Van Gogh

Si "Les mangeurs de pomme de terre" compose la synthèse de la période hollandaise, "la bible ouverte" en constitue un testament."

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"Les mangeurs de pomme de terre" - Vincent Van Gogh

1 février 2013

Regarder "la rousse"

(Après une visite au blog de Jon "the road from Tarascon")

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"Rousse" dit aussi "La toilette" - Toulouse lautrec

 

C'est un tableau vraiment interessant à regarder. Pour mieux en voir tous les aspects j'ai fait des retouches avec le logiciel photofiltre. A chaque fois ce sont des retouches simples, sans modification. Cela permet de regarder plus attentivement tel ou tel aspect de l'oeuvre. Composition, placement des valeurs, des couleurs, des volumes...

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C'est en tout petit qu'on apprécie le mieux la composition, le placement des formes et des valeurs.

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La transformation "sanguine" : je remarque la composition en triangle. Le tableau est coupé en deux par une diagonale qui va de gauche à droite en partant du haut, avec des valeurs claires à gauche en bas et des valeurs foncées en haut à gauche.  Une tâche claire dans le foncé (en haut à droite) et une tâche foncée dans le clair (à gauche de l'épaule gauche) s'équilibrent mutuellement.

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Deux transformations successives : "noir et blanc" et "négatif". Le fait d'inverser le noir et le blanc me permet de mieux percevoir les valeurs. Le dos est très clair, le pied droit et la chevelure sont très foncés. On voit clairement le triangle formé par le corps. Ce triangle ressort sur le fond, par sa forme et par ses valeurs, qui sont les plus claires (dos) et les plus foncées (tête, pied) du tableau.

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Transformation "contours encrés". Elle montre la façon dont les traits participent à la composition. Le parquet en haut à droit qui part en diagonale, la forme triangulaire sous le bras droit, petit triangle à l'intérieur du plus grand triangle du corps. On voit l'utilité de la bassine près du visage. En couleur et valeur elle fait contrepoids au tissu posé sous les fesses. Elle isole le visage des traits en diagonale du parquet.

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Transformation "papier gaufré"

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Transformation "photocopie". Je remarque la zone très foncée en bas à droite, qui fait contrepoids à la chevelure. La tête est dans la partie gauche et haute du tableau, si elle était restée seule foncée dans le tableau, il aurait été déséquilibré. Le siège en osier répond au corps. Forme négative triangulaire et forme en arrondi rappelant l'épaule.

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Transformation "estampage". Elle donne une vision interessante, en donnant une impression de relief en creux. Elle permet d'apprécier les traits. On voit clairement le modelé donné au corps, au dessous de la jambe, au dessous des cheveux.

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Là c'est la transformation "raviver les couleurs". Je vois les tons chauds et les tons froids plus clairement. La palette est limitée en nombre de couleurs. Des bleus verts, des bleus-rouges (violets). Des jaunes-rouges, des bruns-rouges.

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La transformation "aérographe" montre mieux le placement des couleurs dans la composition. Le corps semble être dans l'eau, alors qu'en fait la femme est assise sur le parquet. C'est le choix des couleurs qui induit cette impression. La peau et les cheveux sont mis en valeur par leur environnement. La vision plongeante sur le dos et la tête accentue cette mise en valeur.

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Transformation "étalement". L'impression d'eau est accentuée. Cette fois on dirait que la femme est assise dans la nature. Choix des couleurs, encore.

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Transformation "pointillisme"

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Transformation "couteau à palette"

1 pixel sur 2

Transformation "1 pixel sur 2". Ce n'est pas encore conforme à ma vision personnelle, mais ça s'en approche. Vers une abstraction, une simplification des formes. Conserver les contours, avoir une palette restreinte. Si je devais peindre mon interprétation, j'irais dans cette direction. Cernes des formes, peu de couleurs, tons lumineux.

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Pour le plaisir et parce qu'elle est belle. Une dernière transformation, qui s'appelle "reflet dans l'eau"... Je reste là dessus, finalement, la voilà mon interprétation :-)

"La rousse" est décidemment un chef d'oeuvre.

Si un oeil plus averti que le mien passe par ici et a vu quelque chose qui m'a forcément échappé, merci de compléter l'article par un comm ;)

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