Croquis rapide d'après dessin sans gomme ni mesures

La même chose mais en dessinant d'abord le squelette puis les contours

Le deuxième dessin "se tient mieux", cela me confirme dans l'idée qu'il ne faut pas que je dessine les contours de mon sujet en premier mais qu'il faut que je commence par placer son squelette.

Plume et feutre sur feuille A4 - d'imagination

Quand on dessine en copiant un sujet figuratif cela nécessite un certain effort, c'est un travail. Par contre le dessin abstrait d'imagination est uniquement dans le plaisir et le jeu, c'est pour cela que je l'aime.

Pour commencer j'ai fait l'espèce de cheminement aux formes droites, puis celles aux formes serpentines. J'ai couvert la feuille en la retournant tantôt dans un sens, tantôt dans l'autre. Ensuite j'ai donné une sorte de perspective imbecile tantôt à droite tantôt à gauche. Puis j'ai rempli les espaces par des hachurages en tous sens et toutes largeurs. Enfin j'ai rempli au feutre certains espaces.

C'est un jeu de composition, j'ai arrêté quand j'ai ressenti que c'était fini. Toute composition est une histoire d'équilibre. Petit/grand, droit/rond, foncé/clair... c'est une histoire d'harmonie.

A propos de composition, j'ai cherché vainement un ouvrage qui traite de ce sujet en dessin et peinture (en français). Je me suis "rabattue" sur l'ouvrage de Michael Freeman "l'oeil du photographe et l'art de la composition". Il y a beaucoup de parallèles entre la photographie et la peinture. D'autant plus avec les possibilités créatives des logiciels de retouche actuels. Le photographe doit simplement gérer davantage de contraintes (son sujet). Ce livre est excellent. Je savais des choses intuitivement, cela m'a permis de les conforter et de les approfondir.

Dessin à la plume sur feuille A4 - d'imagination

Pas d'idée préalable pour ce dessin. J'ai tracé une première forme vide, que j'ai rempli, puis une autre que j'ai rempli différemment, et ainsi de suite, en expérimentant différents remplissages. A un certain moment ces formes m'ont fait penser à un monstre, dont j'ai noirci l'oeil et auquel j'ai ajouté des dents ainsi que la forme inférieure qui augmente son coté vindicatif.

J'aime beaucoup "Les clés du dessin" du Bert Dodson. Je me suis procurée son second ouvrage, "Keys to drawing with imagination". Il n'a malheureusement pas été traduit en français. Ce livre donne des pistes pour stimuler le dessin d'imagination et propose des exercices qui ont le mérite d'exercer la main, sans optique de produire quelque chose de précis au départ.

Plume et crayon blanc sur papier kraft

Je me suis ensuite amusée à retoucher mon dessin sur photofiltre :

Crayons noir et blanc sur papier kraft - d'après un dessin de J. Sheppard

Ce dessin est fait comme le précédent, au jugé et sans placement préalable des éléments du squelette (fait avant l'exercice de l'article suivant). Je teste le dessin sur kraft et l'usage du blanc pour les lumières. Je trouve que le modelé y gagne. J'aimerais trouver des blocs de papier gris assez foncé comme celui utilisé par Sheppard.

Merveilleux le dessin de la figure humaine, on voit tout de suite quand ça cloche. C'est un maître d'une exigence qui n'admet aucune imperfection.

D'après la méthode Richer on dessine le modèle vivant et ensuite on reporte le squelette sur un calque. C'est ce que j'ai fait pour ce premier dessin (j'ai tracé le squelette sur un scan du dessin original).

Je pense qu'il faut aménager cette méthode en traçant succintement le squelette au moment où on dessine le modèle. Placer la ligne des épaules et celle du bassin, figurer d'un trait les os des membres. Cela m'aurait permis je pense d'éviter les erreurs de proportions les plus flagrantes (longueur fémur/tibia ici).

Dessin au crayon - d'après un dessin de Joseph Sheppard

L'oiseau - modelage argile chamottée - 11cm x 11 cm - d'imagination

On peut y voir ce qu'on veut, une femme recueillant l'eau d'une source ou une femme implorante...

Dans mon esprit c'est une figure de la maternité. Elle regarde l'oiseau qui vient de s'envoler de ses mains. C'est une petite ébauche de la sculpture que je ferais si je savais le faire.

Je l'ai réalisée en une seule séance, j'avais bien son geste en tête, mais je me heurte à ma méconnaissance de l'anatomie.

Pas de finition pour l'instant, la terre est cuite mais brute.

Premier dessin de squelette... la question du canon se pose. Lequel me parait le plus simple ? 7.5 ou 8 têtes ? Je commence par le 8 têtes. J'ai des soucis de largeur.

J'essaie le canon à 7.5 têtes en petit. Non, décidemment je préfère le 8. Je redessine un squelette avec le 8 en regardant le modèle. J'essaye de prendre des repères d'alignement pour la largeur. Je refais un squelette à coté, de mémoire, en cachant le modèle. C'est déjà mieux. Les fémurs ne sont pas verticaux comme on aurait tendance à le croire.

Le meilleur moyen pour respecter les proportions est sûrement de commencer par la tête, d'en déduire la largeur des épaules et ensuite positionner les éléments-repère de hauteur : tétons, coudes, bassin, genoux, en alignant les éléments-repères de largeur. Ce que je ne fais pas pour le suivant...

Monsieur Trapu

Ce squelette un peu plus travaillé est dessiné avec un modèle mais sans mesurer. Je fais un petit costaud :) Et j'apprends de nouveaux mots. Apophyse coracoïde, trochlée...

C'est beau un squelette. Je remarque des trucs que je n'avais jamais vu avant, je me palpe pour sentir mes os, je regarde mon entourage d'un drôle d'oeil. Je sors un centimètre de couturière pour mesurer la largeur des tétons du dit entourage et comparer à la hauteur de la tête.

Monsieur Grande main

Os et articulations du membre supérieur. Magnifique la façon dont s'articulent le radius et le cubitus quand on tourne la main. L'omoplate bascule quand on fait ce geste. Passionnant. Il y a une vidéo sur le site de l'université de Lyon, je la visionne et me promets d'y revenir pour croquer la position respective de l'omoplate, de la clavicule et de l'humérus en fonction des mouvements du bras.

Je dessine un omoplate. Quel intérêt ? C'est pour mieux comprendre sa forme. Et puis c'est beau, c'est un entraînement à dessiner des volumes, et c'est un premier exercice de respect des proportions. Je dois trouver un moyen simple de "mesurer". Les dessins d'anatomie et de figure humaine ne pardonnent pas les erreurs de proportion, c'est ce qui fait leur intérêt. J'ai du mal à me servir du crayon pour ça, je prends un compas. Mon omoplate présente malgré tout encore des inexactitudes en hauteur.

J'ai trouvé ce petit canon simple sur le net. Je le trouve pas mal.

Peinture à l'huile sur papier - 45 cm x 63 cm - d'après une peinture d'Emma Blackwood

J'ai préparé mon support habituel - feuille de papier peint tendue sur planche de médium, 2 couches de gesso teinté jaune clair. Je n'ai pas poncé entre chaque couche cette fois, j'ai appliqué le gesso avec des coups de pinceaux arrondis pour donner une texture et faciliter l'accroche de la peinture (sur le papier l'accroche est très différente de celle de la toile).

J'avais prévu de faire cette peinture au couteau, comme le modèle. Ce n'est pas ce qui s'est passé finalement.

Ce modèle ne fait pas partie de ceux donnés par notre prof. J'ai recherché des nus masculins sur le net et j'en ai trouvé pas mal sur un site gai (taper "nu masculin dans l'art" dans les moteurs de recherche et on tombe dessus).

En début de séance je montre la photo de l'original à mon prof. Il me dit "va y, aux innocents les mains pleines !".

Il a raison :

"La peinture, c'est très facile
quand vous ne savez pas comment faire.
Quand vous le savez,
c'est très difficile."
Edgar DEGAS

Je fais un quadrillage large de mon support et je dessine mon esquisse au fusain à l'envers, pour pouvoir mieux me focaliser sur les formes.

Je ne fixe pas mon dessin, j'attrape un gros pinceau et je commence à peindre les zones foncées à grandes touches rapides. Je continue au pinceau, zones par zones et teintes par teintes, du plus foncé au plus clair.

Je dois corriger la tête, où j'ai tout placé trop bas. Pour cela j'efface la peinture déjà posée avec un essui-tout, je retourne le tableau et je retravaille à l'envers pour tous les traits du visage.

C'est mieux.

Mon prof qui passait par là corrige avec le manche du pinceau la ligne des épaules.

Je continue... une petite pause après laquelle je reprends vite, je veux terminer le tableau dans la séance.

Re-visite éclair du prof. Il me signale des touches de pinceau à unifier, agrandir les mains, éclaicir un peu là, foncer ici adoucir là. Il a l'oeil et le bon. Je corrige.

Il me dit qu'il faudra retravailler ça ou ca, je lui dit que non, je veux finir à la fin de la séance : quand je retouche je gâche.

Je passe un coup de spalter sec. Cela fait ressortir la texture de la sous couche. L'effet est chouette et conforme à ce que je voulais. La séance est terminée. Conclusion du prof : "c'est pas mal ton truc" :-)

Pour la prochaine fois je préparerai mon support ET mon esquisse. ça me fera gagner du temps. Et j'aurai la possibilité de corriger les erreurs de dessin, qui ne pardonnent pas quand on passe à la couleur.

J'aime travailler vite.

 
Le modèle : "At the heavens" d'Emma Blackwood.