Premier dessin de squelette... la question du canon se pose. Lequel me parait le plus simple ? 7.5 ou 8 têtes ? Je commence par le 8 têtes. J'ai des soucis de largeur.

J'essaie le canon à 7.5 têtes en petit. Non, décidemment je préfère le 8. Je redessine un squelette avec le 8 en regardant le modèle. J'essaye de prendre des repères d'alignement pour la largeur. Je refais un squelette à coté, de mémoire, en cachant le modèle. C'est déjà mieux. Les fémurs ne sont pas verticaux comme on aurait tendance à le croire.

Le meilleur moyen pour respecter les proportions est sûrement de commencer par la tête, d'en déduire la largeur des épaules et ensuite positionner les éléments-repère de hauteur : tétons, coudes, bassin, genoux, en alignant les éléments-repères de largeur. Ce que je ne fais pas pour le suivant...

Monsieur Trapu

Ce squelette un peu plus travaillé est dessiné avec un modèle mais sans mesurer. Je fais un petit costaud :) Et j'apprends de nouveaux mots. Apophyse coracoïde, trochlée...

C'est beau un squelette. Je remarque des trucs que je n'avais jamais vu avant, je me palpe pour sentir mes os, je regarde mon entourage d'un drôle d'oeil. Je sors un centimètre de couturière pour mesurer la largeur des tétons du dit entourage et comparer à la hauteur de la tête.

Monsieur Grande main

Os et articulations du membre supérieur. Magnifique la façon dont s'articulent le radius et le cubitus quand on tourne la main. L'omoplate bascule quand on fait ce geste. Passionnant. Il y a une vidéo sur le site de l'université de Lyon, je la visionne et me promets d'y revenir pour croquer la position respective de l'omoplate, de la clavicule et de l'humérus en fonction des mouvements du bras.

Je dessine un omoplate. Quel intérêt ? C'est pour mieux comprendre sa forme. Et puis c'est beau, c'est un entraînement à dessiner des volumes, et c'est un premier exercice de respect des proportions. Je dois trouver un moyen simple de "mesurer". Les dessins d'anatomie et de figure humaine ne pardonnent pas les erreurs de proportion, c'est ce qui fait leur intérêt. J'ai du mal à me servir du crayon pour ça, je prends un compas. Mon omoplate présente malgré tout encore des inexactitudes en hauteur.

J'ai trouvé ce petit canon simple sur le net. Je le trouve pas mal.

Je citais Loomis dans l'article précédent à propos de la perspective : on peut certes dessiner "à l'oeil" mais connaître les lois de la perspective permet de dessiner juste, et d'imagination. Il en est de même pour l'anatomie.

J'ai passé ces derniers jours à rechercher des ressources. Voici ma sélection :

Anatomie artistique - Description des formes extérieures du corps humain par le Dr paul Richer. Extremement bien organisé et complet, avec des dessins en mouvement, vues extérieures et internes. Une bible !

Grand cours d'anatomie artistique - de Gregory Szunyoghy et György Fehér. Pour la taille et la qualité des dessins. Pour la partie sur l'anatomie animale.

Drawing the living figure - de Joseph Sheppard. Des dessins de nus (hommes et femmes alternés) dans de multiples positions. Organisé par chapitres (poses debout, allongées, assises, accroupies...). Avec en regard : sur une page le dessin, sur l'autre le squelette et les muscles dans cette pose.

La plateforme d'enseignement - de l'université de Lyon. Une merveilleuse ressource. Gratuite et libre d'accès. (Vidéos et pdf 3d). Pour comprendre le fonctionnement de la mécanique humaine : TRES bien fait. Un site passionnant.

Posemaniacs.com - Modèles 3D en écorché dans de multiples poses.

Dessiner le corps humain - d'Aditya Chari. Pour apprendre à dessiner le corps d'imagination, en perspective et en mouvement. Un contenu très proche des livres de Loomis. Belle qualité des illustrations et très grand format.

Le croquis de nu - de Gabriel Martin Roig. Pour dessiner d'après modèle vivant.

Pour obtenir d'autres références d'ouvrages sur l'anatomie artistique, consulter :

Parkablogs.com

En ce moment je ne fais rien de mes mains. Par contre je lis sans arrêt (et exclusivement !) des livres de dessin.

Sachant qu'on ne dessine pas seulement avec ses mains, mais qu'on dessine aussi avec ses yeux, avec son intellect, avec ses émotions, J'apprends à dessiner... sans dessiner :)

Après avoir relu "Dessiner avec le cerveau droit" de Betty Edwards, mon livre de chevet du moment est "Dessiner les visages" de William L. Maughan.

Maughan se focalise exclusivement sur les valeurs. Tout dans sa méthode est observation de la forme des ombres et de la qualité de leur contour (dur/doux).

Une partie du livre est consacrée à la couleur. J'y ai trouvé la confirmation que je cherchais à propos des couleurs froides qui reculent et des couleurs chaudes qui avancent. Je l'avais constaté dans mes deux versions successives du Cloitre de Fontfroide. Je n'ai pas encore fini de lire ce chapitre. Il vaut vraiment le coup d'être compris et assimilé.

Hier j'ai parcouru une bonne partie de "Successfull drawing" d'Andrew Loomis". On le trouve sur le net mais il est aussi en cours de réédition. La qualité du contenu vaut la peine qu'on doit se donner pour le lire en anglais. Le chapitre sur la perspective est précieux. Extremement concis et complet. J'ai retenu ce passage :

Arts students are as prone to underestimate the value of the study of perspective as music students are to underestimate the need of practicing scales. Both foundations are necessary. In drawing, the eye is as important as is the ear in music. Musicians who play only by ear are never as accomplished as those who can also read music. Similarly, an artist can draw by eye alone, but he never draw as well as one who knows fondamental perspective. The handicap is unnecessary in either case. Since the knowledge is available, why try to stuggle along without it ? The difficulties of not knowing are always much greater than the effort of learning." A. Loomis

J'ai reçu le "Grand cours d'anatomie artistique" de Andras Szunyoghy et Gyorgy Feher. Les dessins sont superbes et en grand format. J'ai fait d'autres recherches de ressources en ce qui concerne l'anatomie et j'ai maintenant tout ce qu'il me faut (voir article suivant).

Pas évident d'apprendre le dessin et la peinture en autodidacte. La liberté et l'absence de contraintes se payent. Et je rêve souvent d'un apprentissage structuré et suivi.

Parfois au fil de mes recherches sur le net je tombe sur le blog d'un(e) étudiant(e) en beaux arts et j'aime bien regarder ce qui se pratique dans les écoles.

http://music-as-a-cure.over-blog.fr/ est le blog de Julien, étudiant à L'école Brassart de Tours.

http://dragibuz.blogspot.com/ est le blog de Lorene, étudiante à l'école Emile Cohl de Lyon. D'autres blogs de Cohliens sont accessibles à partir de celui-ci.

Au cours de mes périgrinations sur les sites gay à la recherche de nus masculins dans l'art, je suis tombée sur les dessins de Paul Cadmus. Ses livres sont introuvables dans le commerce, mais on trouve pas mal de ses dessins sur le net. J'ai collecté tout ce que j'ai pu pour avoir des modèles. Un aperçu :

Dessin de Paul Cadmus

Paul Cadmus aimait les hommes et les a magnifiquement dessinés. Sa technique est irréprochable, hachures, modelé, anatomie... J'aime beaucoup les poses choisies. Beaucoup de raccourcis. Les muscles qui se devinent sous la peau, l'impression de 3D.

Je n'avais jamais VRAIMENT regardé le corps nu, masculin ou feminin. J'ai beaucoup appris au cours de mes recherches de modèles ces derniers jours.

D'abord sur la différence Photos/Dessins. Le dessin met en évidence l'anatomie, beaucoup plus que ne le peuvent les jeux de lumière des photographies. Les poses également sont différentes. Beaucoup plus expressives chez les dessinateurs. Mais je manque de bonnes références photographiques.

Ensuite sur la différence Homme/femme. Le corps feminin est plus en courbes je le savais déjà. On le dit plus beau mais je trouve le corps masculin plus riche et plus complexe. Plus musclé, plus dans la dureté, à la fois angles et courbes.

J'ai peint les deux dans les dernières séances et c'est amusant de voir la différence énorme de traitement que j'en ai fait aussi bien dans la couleur que dans la forme. Le dessin et la peinture ouvrent des mondes passionnants.

La technique qui consiste à dessiner à l'envers pour se focaliser sur les formes est conseillée par Betty Edwards dans "dessiner avec le cerveau droit". C'est le premier livre que j'ai lu l'an dernier quand je me suis "mise" au dessin.

Je me souviens très bien du jour où j'ai compris comment on lit. Je revois encore l'isntit et ce qu'il y avait au tableau le jour où j'ai eu le déclic, quand j'ai compris que les syllabes correspondent à des sons. Et bien on peut dire que j'ai compris comment dessiner le jour où j'ai lu le livre de Betty Edwards.

Dessiner consiste à savoir quoi regarder. On doit observer les contours, les espaces (positifs et négatifs), les relations (plus grand que, plus incliné que, à droite de...), les lumières et les ombres. Mettre le modèle à l'envers aide à oublier ce qu'on dessine et à se concentrer sur l'abstraction des formes.

Je viens de relire "dessiner avec le cerveau droit", une petite piqure de rappel qui ne fait pas de mal.

Toujours à propos de livres : hier j'ai parcouru le net à la recherche de livres sur l'anatomie. Envie de dessiner et peindre des visages et des corps, à la suite de ce que nous avons fait en cours de peinture. J'ai vu pas mal de choses, mais rien de vraiment idéal d'après les fiches de lectures vues sur Parkablogs. Je me suis décidée pour le Grand cours d'anatomie artistique :

Un rapport qualité prix imbattable et il a l'avantage de présenter également l'anatomie animale. Je ne l'ai pas encore, je devrai le recevoir dans quelques jours. C'est un pavé de 600 pages. Je recherchais l'exactitude scientifique, normalement avec cet ouvrage il n'y aura pas de problème vu ses auteurs.

Pendant ma recherche je suis tombée sur un autre livre qui me paraît excellent en la matière. Il a été rédigé par Rey Bustos. ça vaut la peine d'aller voir son site. C'est un prof de dessin anatomique.

http://www.reybustos.com/03ra/ra.html

Il met en regard la photographie du modèle et son dessin écorché pour qu'on voit les muscles sous la peau. Je trouve que c'est la meilleure façon de faire. Le livre est disponible chez Blurb en autoédition.

http://fr.blurb.com/bookstore/detail/1612253

Peinture à l'huile sur papier - 45 cm x 63 cm - d'après une peinture d'Emma Blackwood

J'ai préparé mon support habituel - feuille de papier peint tendue sur planche de médium, 2 couches de gesso teinté jaune clair. Je n'ai pas poncé entre chaque couche cette fois, j'ai appliqué le gesso avec des coups de pinceaux arrondis pour donner une texture et faciliter l'accroche de la peinture (sur le papier l'accroche est très différente de celle de la toile).

J'avais prévu de faire cette peinture au couteau, comme le modèle. Ce n'est pas ce qui s'est passé finalement.

Ce modèle ne fait pas partie de ceux donnés par notre prof. J'ai recherché des nus masculins sur le net et j'en ai trouvé pas mal sur un site gai (taper "nu masculin dans l'art" dans les moteurs de recherche et on tombe dessus).

En début de séance je montre la photo de l'original à mon prof. Il me dit "va y, aux innocents les mains pleines !".

Il a raison :

"La peinture, c'est très facile
quand vous ne savez pas comment faire.
Quand vous le savez,
c'est très difficile."
Edgar DEGAS

Je fais un quadrillage large de mon support et je dessine mon esquisse au fusain à l'envers, pour pouvoir mieux me focaliser sur les formes.

Je ne fixe pas mon dessin, j'attrape un gros pinceau et je commence à peindre les zones foncées à grandes touches rapides. Je continue au pinceau, zones par zones et teintes par teintes, du plus foncé au plus clair.

Je dois corriger la tête, où j'ai tout placé trop bas. Pour cela j'efface la peinture déjà posée avec un essui-tout, je retourne le tableau et je retravaille à l'envers pour tous les traits du visage.

C'est mieux.

Mon prof qui passait par là corrige avec le manche du pinceau la ligne des épaules.

Je continue... une petite pause après laquelle je reprends vite, je veux terminer le tableau dans la séance.

Re-visite éclair du prof. Il me signale des touches de pinceau à unifier, agrandir les mains, éclaicir un peu là, foncer ici adoucir là. Il a l'oeil et le bon. Je corrige.

Il me dit qu'il faudra retravailler ça ou ca, je lui dit que non, je veux finir à la fin de la séance : quand je retouche je gâche.

Je passe un coup de spalter sec. Cela fait ressortir la texture de la sous couche. L'effet est chouette et conforme à ce que je voulais. La séance est terminée. Conclusion du prof : "c'est pas mal ton truc" :-)

Pour la prochaine fois je préparerai mon support ET mon esquisse. ça me fera gagner du temps. Et j'aurai la possibilité de corriger les erreurs de dessin, qui ne pardonnent pas quand on passe à la couleur.

J'aime travailler vite.

 
Le modèle : "At the heavens" d'Emma Blackwood.

Peinture à l'huile sur papier - d'après Jacob Collins - 49 cm x 53 cm

Fait en une seule séance (2h/2,5h). J'ai fait de mon mieux pour la photo... la peinture a plus de douceur, dégradés et contraste.

Nous partons d'un modèle mais l'objectif n'est pas de faire une copie servile. Chacun doit l'interpréter à sa façon.

Comme d'habitude j'ai préparé un papier peint. Trois couches de gesso teinté avec un mélange ocre rose moyen, avec un ponçage entre chaque couche. Puis dessin au fusain repassé avec un pinceau fin. Je devais faire une grisaille avant de peindre, mais finalement ma grisaille est devenue la peinture définitive. J'ai placé les valeurs directement sur mon esquisse en lignes. Je suis restée dans un monochrome brun/beige/rosé. Blanc et ocre jaune pour les lumières. Un peu de noir dans le brun pour les ombres.

Un grand, grand plaisir ! Je ne pensais pas aimer autant peindre le visage et le corps. J'adore les regards, mais je ne connaissais pas le modelé et la peau ! La douceur des volumes, les jeux de lumière, quelle merveille !

J'ai travaillé avec les doigts par endroits. Impression de caresser et modeler le visage. Vive la peinture à l'huile. Encore des défauts dans le dessin mais que je préfère laisser. Mon prof m'a signalé notamment le menton qui avance trop et le sein trop haut. Je vois plein d'autres choses mais il vaut mieux m'arrêter et faire un autre nu la semaine prochaine.

J'ai mis en pause il y a quelques temps mes cours de dessins sur le net. Indépendamment des petits disfonctionnements du site, attentes déçues ou désaccords avec les opinions émises par notre professeur, la véritable raison est que je ne fais pas les exercices, alors je trouve inutile de poursuivre.

Ces derniers jours j'ai reclassé mes cours. Je les avais organisés par branches (la perspective, le corps humain, etc...). Je les ai replacés dans l'ordre de leur progression telle qu'elle est donnée sur le site. Je me posais la question d'un retour éventuel, que je conditionne au fait de rattraper tous les exercices en retard.

J'ai donc relu l'ensemble des cours concernés, cherchant à comprendre ce qui ne me convient pas. Je ne suis pas plus motivée pour faire les exercices proposés... mais j'ai maintenant compris que c'est le type de progression qui ne me correspond pas.

La difficulté est graduée du simple au plus complexe. Les exercices sont classés par thème : perspective, visage, etc...

Le problème est que j'ai tendance dans tout apprentissage à sauter du coq à l'âne et de l'apprentissage le plus simple au problème le plus complexe. Je fonctionne habituellement de manière analogique et intuitive et pas du tout sur le mode analytique, qui est la méthode d'enseignement choisie par notre professeur.

Le problème c'est que j'apprends "tout azimut". C'est comme si je construisais une maison en menant tous les chantiers à la fois. Le toit en même temps que les murs avant que les fondations ne soient terminées.

Visiblement je suis incapable de me tenir à un apprentissage progressif, qui m'ennuie rapidement. Ce cours de dessin n'est donc pas fait pour moi, en tout cas moi pour lui.

Mais je le regrette car il présente de nombreuses qualités notamment le travail sur la créativité, le dessin de mémoire et d'imagination.

J'en suis là de mes réflexions, je n'ai malgré tout pas encore jeté l'éponge et ne désespère pas de reprendre ces cours. 

"Peindre un tableau n'a pas pour but de faire un tableau - si déraisonnable que cela puisse paraître. Le but - et c'est le fondement de toute oeuvre d'art véritable - est d'atteindre un état de l'être, un état de fonctionnement intense, un instant inhabituel de notre existence. Le tableau n'est rien d'autre qu'un sous-produit de cet état, une trace, une empreinte."

Robert Henri extrait de "the art spirit"

Le dessin et la peinture sont des moyens. On a tendance à se focaliser sur la qualité de ces trâces. Pourquoi ? Est-ce ce qui importe vraiment ?

Comment s'articulent "Progresser dans son apprentissage" et "progresser dans sa capacité à atteindre ces instants précieux" ? Les deux vont-ils de paire ?

Comment s'articulent "Progresser dans son apprentissage" et "Améliorer la qualité de ces instants précieux" ? Les deux vont-ils de paire ?

Une autre citation :

L'art est une forme de conscience d'une délicatesse suprême... qui tend à l'unicité, unicité de l'auteur et de l'objet... L'image doit entièrement émaner de l'artiste... "

D.H Lawrence