Feutre sur bristol - 10 x 15 cm

Je me lache de plus en plus ! Mon inconscient s'éclate. Y'a-t-il un psychiatre dans l'assistance ?

Il y a des messages que je reçois cinq sur cinq en tout cas ! Je tiens à rassurer tout le monde, la fille couchée sur le dos avec le gros bide n'est pas enceinte :-)

Et à l'envers on découvre encore d'autres trucs ! l'ancre et la coque du bateau qui deviennent palmier sur une île. Pas croyable !

Ma fille m'a dit méfie toi c'est de pire en pire tu vas finir par dessiner un gros zizi.

Crayon - feuille A3 blanche - d'après photo

Toujours d'après un modèle proposé par David Poxon dans Dessin-interprétations. J'ai bataillé pour la tête. Je n'ai pas attaché beaucoup d'importance à la ressemblance par rapport au modèle. Ma biche est plus adulte. C'est plus une interprétation qu'une copie. L'attitude générale du corps, le port de tête, l'expression étaient les choses les plus importantes à travailler.

Il m'est arrivé un jour de tomber nez à nez avec une biche au détour d'un sentier. Je pense que c'est cette biche que j'ai dessiné. Nous sommes restées pétrifiées et immobiles, jusqu'à ce qu'elle se décide à partir. Des secondes magiques qui ont semblé durer des heures.

Les artistes du livre ont fait des dessins beaucoup plus fidèles au modèle.

Crayons pastel sur papier noir

Quand on dessine sur une feuille noire on ne peut qu'éclaircir. On doit se focaliser sur les lumières au lieu d'analyser les ombres. C'est perturbant pour l'oeil, car on a plutôt l'habitude inverse. C'est le deuxième dessin que je fais comme ça (l'autre est ici). 

Je pense que c'est un exercice bénéfique quand on veut peindre, puisqu'en peinture (à l'huile en tout cas) on travaille du foncé vers le clair.

J'ai envie d'essayer la troisième possibilité, avec un dessin à 2 crayons, un foncé, un clair, la valeur moyenne étant fournie par le fond. J'ai déjà testé ça en peinture (ici), j'avais bien aimé.

Crayon sur bristol

Plus je dessine moins je parle. Moins je lis plus je dessine.

Ces derniers mois j'ai collecté des pages de magazines. Des sujets que je trouvais interessants à interpréter. Je pioche dedans dans l'ordre où ils sont rangés, ça m'évite d'avoir à choisir. Voici le deuxième, le premier c'était le beau gosse. Il y a pas mal de portraits dans les publicités, c'est pratique quand on a pas de modèle. Des clairs obscurs, des objets aussi, flacons de parfum, montres, drapés...

Je ne laisse pas tomber l'anatomie, je lis des choses, je regarde des vidéos, c'est interessant. Mais pas envie de dessiner os et muscles pour l'instant.

La peinture est en standby.

Croquis sur le vif - Feutre

A l'occasion de l'expo 300 dessins de Rodin :

Une belle journée ensoleillée.

Un type qui rigole tout seul dans le RER, son pétard à la main. "Fumer rend heureux". Un couple qui parle une langue d'une autre planète.

L'expo. Croquis de modèles, saisie rapide de la posture et du mouvement. Formes simples. Redécalquées, peintes. Collages, compositions. Une classe d'élèves assis en rond, endormis par leur prof. Une pensée pour Matisse. Des dessins érotiques. Cette obsession du sexe feminin ! Un bon portrait.

Visite du jardin. Un couple qui montre une statue à un enfant dans une poussette. Des marbres dans une vitrine. Des travaux. Des vieux, un homme avec des béquilles, des étudiants installés près du bassin à dessiner sur de grandes feuilles. Le penseur, perché sur sa colonne. Et les gens assis sur des bancs autour qui le regardent.

Trois crayons sur papier kraft - A3 - d'après Giovanni Bellini

Ce dessin de G.Bellini est en couverture du livre "les maîtres du dessin". Un gros ouvrage de 600 pages qui présente une sélection de dessins reproduits en grand format. J'ai choisi celui-ci pour m'essayer à la technique des 3 crayons sur papier teinté. Ce dessin est exécuté avec une grande économie de moyens. Je veux dire très peu de traits. J'aurais aimé assister à son exécution par son auteur.

Ce qui me plait dans le portrait, comme dans le dessin du vivant en général, que ce soit humain ou animal, ce sont les expressions. La copie ressemblante passe en second plan. Ce qui importe c'est de donner vie à quelque chose.

Cours de peinture à l'huile - Exercice imposé : portrait selon modèle noir et blanc

Michel Houssin - Grosse tête mai 1987
Mine de plomb sur papier, 150 x 120 cm

J'ai choisi le premier. Je n'ai pas les références de ces portraits, il faut que je les retrouve.

Voilà ce que j'ai fait pendant la séance (l'objectif n'était pas de faire une copie exacte mais de se servir du modèle comme exemple, la ressemblance n'était pas recherchée).

J'ai placé quelques repères au fusain (les tâches les plus foncées), ensuite j'ai travaillé directement. Certaines zones du tableau sont encore très humides, elles apparaissent noires pour l'instant. En fin de séance le prof a apporté quelques nuances à mon tableau : une tâche plus foncée dans chaque oeil, foncer un peu à gauche. Conseil : ne pas trop assombrir le dessous le visage pour que le regard attire l'attention.

Ce sujet correspond davantage à ce que j'aime faire que le précédent (NM aux instruments). Je ne recherche pas le réalisme, plutôt simplifier/exagérer/suggérer. Portrait, plutôt que nature morte. Tableau fait en une seule séance, plutôt qu'en plusieurs.

Peinture à l'huile sur papier - 47cm x 66 cm

Deuxième séance (couleur). J'ai appliqué un mélange 1/3 essence de térébenthine, 1/3 huile de lin, 1/3 vernis Dammar sur l'ensemble de la peinture sèche avant de corriger et compléter ce qui devait l'être. Une fois terminé j'ai passé un coup léger de spalter large sur l'ensemble pour donner un effet de flou. J'ai "nettoyé" le premier plan (colonnes) avec une lingette pour y enlever ce flou, que je ne voulais qu'à l'arrière plan.

Je vois bien les défauts qu'il aurait fallu corriger dans le dessin, mais je n'y suis pas parvenue (souci pour retrouver les bonnes couleurs). Comme je ne pense pas pouvoir faire mieux je préfère arrêter là.

J'avais l'impression de ne pas avoir modifié grand chose par rapport à la séance précédente. Je m'aperçois qu'il y a tout de même de grandes différences. D'où l'intérêt de prendre en photo à chaque fois.

J'ai assimilé la dernière leçon de mon prof de peinture : admettre les défauts.

Le début de la sagesse :-)

Dessin au crayon - d'après photographie couleur

J'ai collecté des pages de magazines pour avoir des modèles. De belles photos dans Elle. Enfants et jolies femmes grandes et minces, portraits en clair obscur, poses élégantes, mains, flacons de parfum, fourrures et drapés. J'aimerais trouver de vieux Géo pour avoir des photos de personnages moins glamours.

Beaucoup de ressources sur le net mais sans une bonne imprimante, on est obligé de travailler devant l'écran, je préfère le papier.

Je dessine toujours à main levée, pas de mesures, pas de quadrillage. Je regarde juste comment se situent les points de repère les uns par rapport aux autres. Mes dessins gagneraient sûrement en exactitude si je faisais autrement. Mais j'aime bien faire comme ça.

Ce dessin date du 19 octobre et je n'ai rien dessiné depuis. C'est très mal. "Elle" n'en fait qu'à sa tête.

Tableau en cours - huile sur toile - 1ere séance de mise en couleurs

J'ai installé les couleurs que je jugeais nécessaires sur ma palette (planche de stratifié de 60x30), fait un mélange essence de térébenthine/huille de lin pour fluidifier mes peintures qui sont très épaisses. Et je me suis lancée en suivant le conseil de mon prof : mener tout le tableau en même temps et non zones par zones, commencer par le fond.

J'ai travaillé assez rapidement, deux heures pour poser les couleurs et une demi-heure supplémentaire pour apporter des corrections, éclaircir par endroits, foncer à d'autres, rectifier le dessin (pan de tissu élargi sur la droite du tableau pour équilibrer la composition).

Des problèmes de proportions "crédibles" entre les différents objets, qu'il était trop tard pour corriger, sont restés.

Je ne suis pas fan des natures mortes, mais c'est un bon exercice. Et finalement c'est vraiment un grand plaisir de travailler ces volumes et ces couleurs. Notre prof a su agencer une très belle composition, riche de possibilités.

Je laisse sécher avant de passer à l'étape suivante.

Deuxième séance du stage.

La dernière fois nous avions commencé le ciel et l'avons arrêté avant d'arriver à la ligne de crête. Le prof voulait nous montrer comment il a l'habitude de la faire. Il utilise les mêmes nuances que pour le ciel, auquel il ajoute une couleur (au choix) : vert, brun, ocre... lègèrement plus foncée que le ciel. Celui-ci est en général plus clair au voisinage de l'horizon.

Il prend le parti pris d'aller du plus clair et plus fondu (à l'arrière plan) vers le plus détaillé et couleurs les plus franches (en premier plan). Ce qui accentue l'effet de perspective.

J'ai pu observer dans ma documentation que cette règle ne se vérifie pas systématiquement dans la réalité. Parfois oui :

Mais parfois non :

La taille décroissante des éléments suffit dans ce cas à donner l'impression de perspective.

Nous reprenons le ciel. J'ajoute quelques touches de blanc, et du gris du coté droit. C'est le ciel qui détermine toute l'ambiance du tableau. Même s'il n'occupe comme ici qu'un tiers du tableau.

Quelques conseils : souligner la base de la ligne de crête par endroits, du tranchant de la lame en la plaçant horizontalement. Laisser l'arrière plan dans le flou pour que l'attention se concentre sur le sujet principal du tableau : le chemin et l'arbre en premier plan. S'arranger pour que les éléments les plus foncés tranchent sur des éléments clairs. Eviter la symétrie (nous avions parlé du nombre d'or, de la règle des tiers, lors de la séance précédente). Animer le ciel en le faisant par exemple plus foncé d'un coté que de l'autre.

Le prof peint à la manière impressionniste. Il suggère et l'oeil du spectateur reconstitue les informations manquantes en puisant dans sa mémoire des paysages. De la même manière, le peintre pour créer un paysage sans modèle puise dans ses connaissances et sa mémoire.

Première difficulté. Concevoir le paysage. J'ai oublié le modèle noir et blanc et je décide de ne pas me servir de ma documentation. Il faut bien que j'essaye d'imaginer, c'est l'occasion. De toute façon cette toile est un laboratoire. Le souci c'est que le peintre débutant que je suis a une mémoire de spectateur mais pas de peintre... Notre prof peint des paysages sur le motif depuis plus de 20 ans. Son expérience lui permet de réaliser un paysage directement, plan par plan, avec une simple esquisse préalable et sans étude des valeurs. L'équilbre de la composition se conçoit mentalement quand il travaille d'imagination. Il y a tout un travail qui nous est invisible et qu'il effectue de manière inconsciente.

Ce n'est évidemment pas mon cas. J'ai beau essayer, je ne me leurre pas, je peins un grand n'importe quoi ! Mais c'est un grand plaisir de ne pas copier, de retrouver un peu de la liberté qu'ont les enfants quand ils font un dessin. Un semblant de liberté, parce qu'on essaie de se conformer aux "règles".

Deuxième difficulté. la perspective, donc. Par la taille des éléments et par leur couleur. Obtenir les bonnes nuances par le mélange... pas simple. Je le fais au pifomètre et j'utilise trop de couleurs. Un vert qui sort du tube et un autre que j'obtiens pas mélange de bleu et de jaune. Je "peintouille". Je fais des essais. Comment on fonce un vert ? J'essaie avec un brun, non ça fait du caca d'oie, avec le bleu c'est mieux. Pour de l'art brut c'est de l'art brut. La seule connaissance des couleurs que j'ai m'est fournie par mes yeux et ce qu'ils analysent.

Troisième difficulté. Pose de la couleur sur la toile. Acquérir les gestes. Varier les touches. Le couteau demande à être maitrisé. J'aime beaucoup cet outil. Je m'amuse à varier la façon de traiter tel ou tel élément. Le ciel par des gestes et un couteau ronds, les prés par des aplats "tirés", la végétation par des petites touches. La matière est très belle, les couleurs rendues brillantes par l'huile polymérisée.

Le temps passe très rapidement, on est absorbé par la toile et on a du mal à arrêter. C'est un des premiers tableaux que je quitte à regret et que j'ai hâte de retrouver (comme le modelage).

Nous nous arrêtons à la frontière du premier plan. Dans l'ovale il va y avoir un arbre. J'ai peint l'arrière plan de cet arbre, qu'on apercevra à travers les branches. Je n'ai aucune idée de la manière dont on peint un arbre, on verra la prochaine fois :-)

En conclusion : une technique très agréable. Qui me donne envie de peindre, envie de regarder des paysages, envie de retrouver un plaisir enfantin, patouiller, jouer avec les couleurs, essayer. L'avantage c'est qu'il suffit de racler ce qui nous déplait et recommencer.

Mon nu féminin allongé se poursuit.

Je le fais d'imagination. J'aimerais avoir un modèle vivant. J'ai ajouté un socle en fin de séance.

Encore des remontrances de la prof au sujet de mon premier travail écrasé :-) J'ai rapporté de la terre pour le refaire à la maison. Mais il est à craindre que j'ai perdu la spontanéité !

Pour être capable de donner corps aux personnages de mes petits dessins humoristiques je dois travailler la construction des visages et des corps d'imagination.

Les visages dans un premier temps. Je m'appuie sur la méthode qu'Andrew Loomis développe dans "Fun with a pencil". Je suis l'ordre du bouquin et fais tous les exercices page par page. D'abord copie des modèles puis dessin de mes propres personnages. Pas évident mais hier soir pour la première fois j'en ai sorti quelques uns.

Je dessine sur un cahier Rhodia 21x21. J'aime bien ce format. Les pages sont quadrillées et se gomment bien. Toutes les planches de ce cahier sont visibles dans l'album "Etudes" colonne de gauche, je mets ce dernier à jour régulièrement.

Planche sur les expressions du visage (copie)

Premiers visages d'imagination (les 4 du bas)

 Personnages d'imagination avec expression (les 5 du bas).

Je procède beaucoup par tatonnements en gommant et modifiant les formes joues, menton, machoires. Je pense qu'il faut en faire et en faire et en faire pour progresser.

Il faut que j'observe de vrais visages, de toutes sortes, gros, maigres, vieux, ridés avec toutes sortes d'expressions. Puis que je les dessine de mémoire en exagérant leurs caractéristiques à la manière d'une caricature.

Dessin au crayon HB et 4B réalisé d'après méthode Piet Herzeel. Sans modèle, à partir de la feuille blanche - 11/04/2011

Le même dessin après retouche des lèvres et des cheveux- 12/04/2011

Le même dessin après féminisation des traits : retouche du cou et de la machoire (plus étroits), sourcils affinés, paupières un peu foncées et ajout de bouches d'oreilles.

Estompe des ombres.

"Quand ça veut pas ça veut pas " - Dessin baclé en trois heures 
feutre - 10 X 20 cm - murs redressés par photofiltre

L'objectif était de dessiner ou peindre sur un format carte postale. Je n'avais pas apporté de modèle, j'ai cherché parmi des albums photo qui sont dans l'atelier. J'aurais aimé faire un dessin style croquis aquarellé. 

J'ai commencé trois dessins. Je n'en ai fini qu'un. Complètement bloquée par la nécessité de remplir le support, de rentrer dans le format,  la peur de rater, de gâcher les cartes. Ce qui n'a pas manqué de se produire évidemment :)

Pastel - d'après une photo de calendrier :)

Encore une arbre - encore un pastel. Je l'ai fait deux fois. La première version hier soir était peut-être mieux ? Elle n'a pas survécu à la soirée, alors je ne peux pas en juger. Je galère avec mes pastels. C'est idiot d'acheter du matériel à deux balles , mais comme je les ai, je fais avec. L'excuse est peut-être elle aussi à deux balles d'ailleurs. Je soupçonne que Van Gogh aurait pu faire mieux avec les mêmes craies.

Je ne vous le mets pas en grand, de près c'est trop moche. On va dire que c'est la faute du papier, allez :)

En tout cas autour du dessin, c'est propre, c'est déjà un progrès. J'ai utilisé du ruban adhésif repositionnable.

Pour passer le temps en attendant. Un dessin au stylo plume, que j'ai "étendu" au pinceau et à l'eau. D'après "Constaibeule" :)
Il est bleu mais je le préfère en noir. Plume et lavis, j'aime beaucoup ce type de dessin. Je ne sais pas comment on fait par contre. Ici j'ai d'abord dessiné puis repassé par endroits directement au pinceau mouillé à l'eau claire. Puis repassé dessus au style plume par endroits. Il faut que je trouve quelqu'un qui sait faire ou une démo.

Le deuxième au stylo bille, d'après Le Lorrain. Déjà le sien est un peu large en haut, et moi j'ai encore accentué le truc au lieu de le corriger. J'ai testé aussi le pinceau mouillé sur celui-ci mais l'encre est "waterproof", raté !

Fusain et gomme

Je continue mon exploration des ciels. Après la mine de plomb et le crayon aquarellable, voici le fusain. Je sens que je progresse "dans mon oeil" : mon regard se perd moins dans l'infinité des formes et des nuances de valeurs. Je préfère les gris du fusain, je les trouve moins métalliques que ceux de la mine de plomb. J'aime aussi dans le fusain la possibilité de travailler au doigt, de modeler les formes. La forme du doigt est adaptée pour les moutonnements des nuages. J'aime enfin récupérer la lumière du support en enlevant de la matière. 

Ce dessin a été fait en cours et j'ai bénéficié des conseils de mon prof. Foncer là, éclaircir ici, fermer à droite pour diriger le regard vers le centre d'intérêt : la lumière qui perce des nuages.

Je ne suis pas encore satisfaite de l'effet de lumière. J'ai pensé utiliser une prochaine fois la même technique que pour mon dessin de l'arbre aux branches mortes : fond froid ou chaud par zones obtenu au pastel sec essuyé. Sans que j'en ai parlé mon prof m'a fait la même suggestion après avoir vu l'arbre (qu'il a bien aimé) c'est drôle.

Jérome m'a aussi conseillé de regarder les oeuvres de Philippe Ségéral, grands dessins à la mine de plomb représentant des nuages de poussière (volcans) ou des moutonnements de végétation. Il pensait que j'aimerai mais je les trouve sombres. Je rêve davantage de ce genre de lumière :

Corot

Première séance :

D'imagination, esquisse de ce que je voudrais faire : un visage serein, tendu vers le soleil. J'ai l'intention de ne faire que le masque du visage, pas la tête entière. 

Premiere ébauche du modelage

Je n'ai pas apporté d'appareil photo, celle-ci est prise en tout début de la deuxième séance. Le modelage est humide. Il a transpiré dans le sac plastique qui le protège du dessèchement pendant la semaine.

Deuxième séance :

J'ai recherché dans ma documentation l'image d'un cou car je veux en ajouter un à mon masque, que je vois dans mon esprit la tête levée vers le soleil.

(Drawing human anatomy - G.Civardi)

Cela va me servir pour le dessous de la machoire et le degré d'inclinaison de la tête.

La prof me fait ajouter de la matière à l'arrière de la tête. Corriger la forme des yeux (plus sphérique) et de la bouche (plus avancée, lèvres). Modeler d'imagination n'est pas évident.

Au fur et à mesure l'expression sereine du modelage se transforme en rire intérieur. Par je ne sais quel phénomène le personnage devient vivant, et m'échappe, prenant une expression différente de ce que j'avais prévu initialement. De serein il devient franchement amusé. Cela m'amuse aussi beaucoup je souris rien qu'à le regarder se marrer intérieurement. Modeler un visage est extremement agréable, surtout quand son expression est souriante. Quand je modelais la colère j'étais en colère, modeler le rire me met en joie. On pourrait dire que je transmets mon émotion au modelage mais l'inverse est vrai aussi ! Il m'envoie quelque chose comme s'il était vivant, c'est assez étonnant.

Au moment d'arrêter, le modelage m'échappe, des mains cette fois, et roule sur la table. Le nez est écrasé, une pommette, la bouche... misère ! On dirait qu'il a pris l'autobus en pleine figure. Je répare tant bien que mal, du coup j'oublie de prendre une photo. Je le laisse dans sa niche pour la semaine, enfermé dans son sac plastique. Je le quitte en souriant. Une séance instructive à tous points de vue et quel plaisir ! Peu importe que la sculpture soit "bonne" ou pas, vu l'émotion qu'il y a dedans.

Maintenant je me fais un peu de souci pour lui, j'aurai du le caler. J'espère que le cou va tenir sous le poids de la tête :)

Troisième séance :

Le cou a tenu. Evidage... je déteste.

Je persiste dans mon idée de rester sur un masque mais le fait d'avoir ajouté un cou m'oblige à en modeler les cotés pour qu'il tienne en équilibre. Je veux que le visage soit tourné vers le haut. Pas le poser à plat sur une table.

A la fin du cours je commence à lisser.

Quatrième séance :

Je corrige les narines, le dessus du nez, la courbe de l'oeil gauche. Je lisse pendant deux heures. La pièce est terminée, je la pose sur l'étagère prévue à cet effet pour qu'elle sèche en attendant d'être cuite.

Je n'ai pas pris mon appareil photo. J'espère en écrivant cet article que je n'ai pas abîmé en lissant l'expression du modelage par rapport aux photos prises la dernière fois.

(Pour faire suite à un article de Sandrine, blog Art dessins)

Kandinsky : température, qualités humaines

kandinsky voit les figures reliées les unes aux autres, soumises à des tensions, chaudes ou froides, jeunes ou mûres, en bref vivantes, avec des qualités humaines.

Ligne droite : horizontale = associée au froid et au noir. Verticale = associée au chaud et au blanc. Diagonale = froid-chaud, rouge libre.

L'angle droit est plus objectif donc le plus froid. L'angle aigu est le plus tendu donc le plus chaud. L'angle obtus est maladroit, faible et passif.

Les lignes courbes sont dites engendrées par des forces simultanées. Autant l'angle (ligne brisée) est jeune et irréfléchi, autant l'arc (ligne courbe) possède une force et une maturité consciente d'elle-même.

Si la tension est très forte, la ligne se replie sur elle-même et devient un cercle.

Kandinsky étudie également le plan comme un être vivant et c'est en somme tout le problème de la composition d'un tableau.

Aux formes correspondent des couleurs :

L'angle aigu (ou le triangle) est jeune, irréfléchi, bref plutôt chaud : il est naturellement associé au jaune. Le cercle est froid, céleste, il est bleu. Le carré (ou angle droit) est intermédiaire, il est rouge. Ces associations ne sont pas automatiques, au contraire, un cercle rouge peut provoquer une surprise, une certaine sensation.

Les couleurs, comme les formes, ont des qualités humaines. Le jaune par exemple est excentrique, le bleu est refermé sur lui-même.

"La forme, même abstraite, géométrique, possède son propre son intérieur, elle est un être spirituel" (kandinsky)

Source : Maths et arts plastiques Bibliothèque tangente

Vincent Van Gogh : musique

"Il comparait fréquemment la peinture à la musique et, dans l'espoir de mieux saisir les correspondances, les rapports entre les deux arts, il prit à Eindhoven quelques leçons  de piano auprès d'un vieil organiste. Mais cela ne dura pas longtemps, parce que Vincent, pendant ses leçons, comparait tout le temps les tons du piano à du bleu de prusse, à du vert émeraude, ou à de l'ocre jaune ou à du cadmium. Le bonhomme un jour, crut avoir affaire à un fou et il fut pris d'une telle peur qu'il cessa ses leçons." (Anton Kerssemakers)

Source : Van Gogh par Pierre Leprohon

Yves Kein : qualités humaines

"Pour moi, les couleurs sont des êtres vivants, des individus très évolués qui s'intègrent à nous, comme à tout… Chaque nuance est seulement de la même race que la couleur de base, mais possède une vie propre et autonome.

Il y a des couleurs gaies, majestueuses, vulgaires, douces, violentes ou tristes. " Yves Klein, 1958.

Source : blog Art dessins

Quant à moi je les vois dotées de qualités de surface : molles, coupantes, liquides. C'est ce qui domine et ça m'est perceptible dans tous styles de peinture.

Il y a aussi des qualités humaines : fortes, mièvres, douces, hautaines, joyeuses...

Enfin elles ont une hauteur de son, que j'associe plutôt à la voix qu'à la musique, elles peuvent être silencieuses ou hurlantes, la voix peut être grave ou aigüe. Ces qualités sont plus perceptibles dans les oeuvres abstraites car les couleurs sont plus indépendantes les unes des autres.

Et vous comment percevez vous les formes et les couleurs ?

Feutre sur bristol

Encore un autre n'importe quoi à la va comme je te pousse. Je dessine, je colorie, je déchire et je colle. Plaisir enfantin. Je choisis les couleurs "au feeling". Je les dispose comme on fait une recette de cuisine. Il manque un peu de sel, tiens je vais ajouter un peu de poivre...

J'avais remarqué dans un jeu ultérieur avec des couleurs (ICI) qu'elles ont besoin de blanc pour respirer. Ici je les serre à étouffer, la respiration et le blanc viennent des déchirures du papier. Le fond me fournit le cerne noir.

Un texte me vient au fur et à mesure. Première fiche "pas la peine". Les lettres sont disposées un peu partout dans tous les sens comme un message caché. Deuxième fiche "de faire !".

Je cherche à équilibrer les couleurs. C'est bizarre, on dirait qu'elles ont un poids. Tant de surface molle (arrondie/douce) de telle couleur égale tant de surface dure (droite/coupante) de telle autre et font s'équilibrer les plateaux de la balance.

Le seul but est de me sentir contente. Je remplis petit à petit une feuille noire en y collant les petits morceaux que je déchire. Fiche après fiche.

C'est comme s'attaquer à une montagne. Le sommet parait inaccessible, il faut gravir pas après pas. Quand on sera arrivé on pourra regarder le paysage.

Réinstallation de la nature morte.

Je ponce ma toile préparée la semaine dernière avec du papier de verre, installe mon chevalet et sort mon croquis préparatoire.  Mon prof y jette un oeil, me dit qu'il est bien et me conseille de le reporter tel qu'il est sur la toile. Je reporte le dessin en corrigeant au passage les erreurs de proportion qu'il y avait dans le croquis (largeur du fauteuil, violoncelle trop petit). Au pinceau fin et à la peinture acrylique, je repasse sur les traits et pose les ombres et valeurs. Je retire le fusain avec une brosse. La séance se termine. J'ai pris mon temps pour le dessin, je sais que c'est une étape importante. (Dans mon tableau précédent le personnage était mal proportionné, j'ai trouvé embêtant de ne pas l'avoir corrigé avant la mise en couleur)

Je prends des photos du modèle, vue d'ensemble et détails, pour travailler dans les semaines à venir en attendant le prochain cours.

Je fais le tour de la salle et prends quelques photos.

C'est très intéressant de voir 12 tableaux d'un même sujet avec des points de vue différents.

On apprend en regardant les autres peintres, leurs choix de composition et de teintes. Ce qui est bien, ce qui est moins bien.

J'aime particulièrement l'ambiance qui se dégage de cette toile, le point de vue recentré sur deux éléments, le personnage ajouté dans le coin supérieur droit. Cette élève tenait à mettre un personnage dans ce coin, le prof a suggéré un miroir.

Nous ne sommes plus dans l'excitation de la semaine précédente. Les élèves s'appliquent. Certains reconnaissent être allé un peu trop vite la dernière fois. Il est vrai que le croquis préparatoire a une grande importance. Je réalise son utilité en voyant les difficultés auxquelles sont confrontés ceux qui n'en ont pas fait.

Dessin au crayon - A3

C'est un des modèles du livre "Dessin - Interprétations". J'ai dessiné à partir de la photo et en m'inspirant aussi des dessins d'artistes mais avec ma manière de faire habituelle (qui tient plus du croquis que du dessin), et mon "écriture" personnelle. J'ai fait le choix de placer la ligne d'horizon plus haut et de ne pas ramener les proportions de ma feuille de dessin à celles de la photographie.

Une fois terminé, j'ai comparé ce que j'ai fait avec les interprétations de David Poxon et Martin Taylor :

Il y a beaucoup à apprendre de tout cela... ce qui frappe le plus c'est qu'il ne faut pas hésiter à augmenter le contraste des zones de valeurs, cela augmente la lisibilité (d'où l'utilité de faire une vignette préparatoire).

Ensuite, et bien beaucoup de choses à travailler... en premier, apporter plus de soin : à la construction, à la préparation, à la réalisation. Je pense que ça serait bien de dessiner en copiant cette fois les versions de David Poxon et Martin Taylor, pour mieux en observer la technique.

Après le Carreau du Temple, je me suis dirigée vers l'Espace Commines, pour FRESH, la section dédiée aux jeunes galeries. La fatigue se faisant sentir, mon oeil était beaucoup plus difficile à capter et conserver. J'ai parcouru cet espace assez vite.

J'ai pris note du nom de Mélanie Vincent, à propos de la technique de pirogravure. Je ne sais pas pourquoi mais la technique de la gravure, les pleins, les vides, le creux, le relief, sont des procédés qui m'intéressent.

Un petit bilan, c'est l'occasion... de ne pas se poser trop de questions. Il y a ce qu'on voudrait faire et il y a ce que l'on fait. Il y a les problèmes techniques, les petites satisfactions,  les bonnes surprises, les accidents de parcours. Ce qu'on espérait et qui n'arrive pas forcément, les invités qui se présentent alors qu'on ne les attendait pas, avec leurs qualités et leurs défauts.

C'est bon de ne pas tout maîtriser et d'accueillir ce qui se passe, avec tolérance et curiosité.

Pour la suite... j'ai commandé un nouveau crayon blanc de la marque conté, en espérant qu'il réagisse mieux au fixatif. Un nouveau fixatif aussi d'ailleurs, sensé mieux agir sur la craie. Et un carton à dessin pour loger mes études. Je pense rester sur cette technique. Fonds préparés teintés, craies à esquisse, crayon blanc et pierre noire, dessin de fond au fusain. Grands formats. La pierre noire est mate et foncée, elle est moins volatile que le fusain tout en s'estompant, ce qui permet le travail aux doigts, dont je ne pourrais pas me passer.