Toujours du feutre sur bristol, dessiné le plus librement possible. J'arrive assez bien à me vider la tête maintenant quand je dessine. Aucun discours critique ne vient me parasiter. Je laisse venir les choses et je découvre les motifs qui prennent corps au fur et à mesure. Dessiner directement au feutre nécessite d'avoir un geste souple et sûr pour éviter d'avoir des lignes hésitantes et tremblées.

C'est proche d'une forme de méditation.

Dans le tableau précédent je m'efforçais d'équilibrer les tons foncés et les tons clairs à l'intérieur de chaque fiche. Maintenant ce n'est plus le cas. Il me semble qu'il y a tout de même un certain équilibre dans les compositions mais qui se trouve autrement, sans que je le recherche forcément.

Le dessin se fait à la fois librement et sous contrainte.
- Contrainte de départ. Ici l'enchevêtrement des rubans, le remplissage zébré ou noir.
- Liberté. Des formes, qui viennent comme elles viennent. Marrant de voir comme ça dérape dès le troisième dessin.

Je ferai probablement 12 fiches mais ce n'est pas sûr. On verra. Le dessin se prête peut-être à quelque chose de plus grand.

J'ai commencé en parallèle quelque chose en couleur dont j'ai fait la première fiche. Je ne peux pas montrer pour l'instant. C'est encore du feutre sur bristol, format 10x 15 que je trouve pratique. Le principe de morcellement/assemblage continue. A tel point que pour ce projet en couleur je déchire les fiches et réassemble les morceaux.

Hier j'ai encadré les 12 fiches précédentes pour en faire un tableau. ça tient debout.

Je n'arrive pas pour l'instant à reprendre d'autres types de dessins ou de peinture. J'attends.

Au cours de mes périgrinations sur les sites gay à la recherche de nus masculins dans l'art, je suis tombée sur les dessins de Paul Cadmus. Ses livres sont introuvables dans le commerce, mais on trouve pas mal de ses dessins sur le net. J'ai collecté tout ce que j'ai pu pour avoir des modèles. Un aperçu :

Dessin de Paul Cadmus

Paul Cadmus aimait les hommes et les a magnifiquement dessinés. Sa technique est irréprochable, hachures, modelé, anatomie... J'aime beaucoup les poses choisies. Beaucoup de raccourcis. Les muscles qui se devinent sous la peau, l'impression de 3D.

Je n'avais jamais VRAIMENT regardé le corps nu, masculin ou feminin. J'ai beaucoup appris au cours de mes recherches de modèles ces derniers jours.

D'abord sur la différence Photos/Dessins. Le dessin met en évidence l'anatomie, beaucoup plus que ne le peuvent les jeux de lumière des photographies. Les poses également sont différentes. Beaucoup plus expressives chez les dessinateurs. Mais je manque de bonnes références photographiques.

Ensuite sur la différence Homme/femme. Le corps feminin est plus en courbes je le savais déjà. On le dit plus beau mais je trouve le corps masculin plus riche et plus complexe. Plus musclé, plus dans la dureté, à la fois angles et courbes.

J'ai peint les deux dans les dernières séances et c'est amusant de voir la différence énorme de traitement que j'en ai fait aussi bien dans la couleur que dans la forme. Le dessin et la peinture ouvrent des mondes passionnants.

Feutre et crayon sur bristol - A4

Le modèle est une pub pour Chanel trouvée dans un magazine. C'est un sujet qui m'évoque plein de choses. Le coté graphique m'a séduit au premier abord, et puis j'ai vu beaucoup de sens dans cette image. Le coté zèbre, drôle de zèbre, genre indéterminé, chemise d'homme et chemisier féminin. La posture est expressive toute en restant mystérieuse. Douleur, camisole de force, colère rentrée, froid ou attitude pensive...

Du point de vue du dessin c'est un sujet interressant aussi. Vu en raccourci du visage, drapé et rayures, transparence. J'ai eu beaucoup de mal à choisir le mode de traitement du visage. Je me suis servi du compas pour mesurer les espaces, et j'ai parfois été obligée de vérifier à deux fois tant mes yeux contredisaient ce que me disait la mesure.

Feutre sur bristol - 10 x 15 cm

Je n'ai pas fait ce dessin de la même manière que les autres, je ne sais pas si c'est le fait d'une évolution ?

J'ai d'abord couvert l'ensemble de la fiche de dessins au trait plutôt figuratifs. D'habitude ce sont plutôt des motifs de remplissages abstraits que je remplis au fur et à mesure.

Je suis partie du bord supérieur, la contrainte étant de partir du bord du dessin précédent. Sont venus successivement un tressage, un engrenage, un nez et une bouche posée sur une table , un tibia et un pied, un escargot qui se transforme en reptile gobeur de mouche, un chat avec une queue à roulettes, une paire de lunettes, une exclamation, le nom d'un cheval, une chaîne accrochée à un clou... jusqu'à ce que la feuille soit remplie. J'ai laissé venir les choses sans aucune idée préalable.

Pour que le dessin s'harmonise avec les précédents il fallait ensuite que je colorie des zones en noir. Je suis partie d'anneaux concentriques au centre, mais j'ai fini par les relier en une grande zone noire circulaire. Des petites formes triangulaires en bas à gauche visaient à équilibrer la composition mais finalement elles ont créé l'impression qu'un liquide s'écoule d'un vase renversé.

En ajoutant ces zones noires j'ai eu la sensation de perdre de la lisibilité du dessin, d'abimer les choses. Mais finalement si j'en ai perdu certaines (la pupille des yeux du chat, le cercle qui était au centre des engrenages) j'en ai "gagné" d'autres (le vase, ce qui s'en écoule).

J'ai failli tout abandonner quand une personne proche a regardé le dessin que je lui disais raté, et n'a pas vu en quoi il l'était, alors je l'ai gardé.

"L'arrangement du jour" est une simple inversion des couleurs :

Le petit jeu du cadavre exquis attaque sa deuxième ligne :

Je n'aurais pas été capable d'imaginer ce dessin avant de le réaliser, d'ailleurs il n'existait nulle part. Et pourtant il se construit petit à petit. C'est comme une pelote de fil que l'on déroule. Il suffit de tirer sur le bout du fil. Et cette pelote n'a pas de fin. Un jour je dirai que le dessin est fini mais il pourrait continuer à l'infini. La seule limite est la vie. ça pose la question de quand arrêter ? Mais après tout c'est vrai qu'...

"Une peinture n'est jamais finie - elle s'arrête simplement en des lieux intéressants" (Paul Gardner).

Dessin à la plume sur feuille A4 - d'imagination

Pas d'idée préalable pour ce dessin. J'ai tracé une première forme vide, que j'ai rempli, puis une autre que j'ai rempli différemment, et ainsi de suite, en expérimentant différents remplissages. A un certain moment ces formes m'ont fait penser à un monstre, dont j'ai noirci l'oeil et auquel j'ai ajouté des dents ainsi que la forme inférieure qui augmente son coté vindicatif.

Peinture à l'huile sur carton toilé - 30x30 cm

Une deuxième ébauche de paysage. Fait en 2h. Avec une technique peu orthodoxe...

J'ai voulu utiliser cette fois les peintures à l'huile allongées de standolie qui me restent des stages de peinture au couteau. Les couleurs utilisées pour ce tableau : blanc, noir, terre d'ombre brûlée, bleu et rouge primaires, vert, ocre jaune. J'ai placé les couleurs par grands aplats au couteau.

Le résultat au bout de 2h : une espèce de tas de "boue" collante et brillante. Impossible d'ajouter de la couleur sans en enlever, bref la catastrophe. Je suis partie du cours une heure avant la fin.

Arrivée chez moi, j'ai appliqué sur mon carton toilé un papier journal que j'ai bien pressé et lissé, puis enlevé. Cela a enlevé le plus gros de "la boue" :-) Ensuite j'ai tamponné un kleenex sur les endroits que je voulais encore alléger.

Pour finir, j'ai passé le spalter sec sur l'ensemble, retravaillé certains endroits en poussant ou tirant la peinture avec mon pinceau pour foncer ou éclaircir ici et là.

J'en reste là car je ne sais pas travailler en plusieurs séances. Mon paysage précédent est à refaire, je l'ai gaché en voulant le retoucher... comme c'était à prévoir !

Peinture à l'huile sur carton toilé - première séance

C'est un sujet qui est vraiment dans les cordes de mon prof. Il mène un travail sur la lumière et ses paysages me font penser à Turner. Alors je fais profil bas et j'écoute religieusement les consignes, même si elles sont succintes.

J'ai préparé trois cartons toilés et trois des sujets proposés. Les supports sont enduits de plusieurs couches de gesso teinté d'un ocre légèrement rosé, avec un ponçage entre chaque couche.

Aucun dessin préalable évidemment, le modèle ne s'y prête vraiment pas.

D'habitude mon prof nous fait commencer par les foncés mais cette fois c'est l'inverse, il m'a fait placer les clairs en premier. J'ai très peu de couleurs. Dans le cas présent j'ai sorti du blanc, le rouge et le bleu primaires, de l'ocre jaune, du noir et du terre brûlée.

Nous commençons toujours par appliquer sur tout le support un médium composé par tiers d'essence de térébenthine, vernis dammar et huile de lin. Ensuite on peint avec les couleurs sorties du tube, mélangées sur la palette.

J'ai utilisé une brosse assez grosse pour poser les couleurs, un spalter sec pour balayer et fondre les dégradés.

Peu de consignes, juste des petites indications sur les touches de couleurs à amener à tel ou tel endroit. Le prof m'a fait redescendre un peu la ligne d'horizon que j'avais mis trop haute. Il m'a fait ajouter de la couleur au dessus de cette ligne d'horizon (j'avais amené la lumière la plus forte trop bas, au raz de l'horizon). Ajouter du rose dans les lumières sur l'eau que j'avais fait trop dans les blancs et ocre.

J'ai fait quelques gribouillis de manière à enlever de la peinture avec la lame du couteau à palette pour évoquer la texture des feuillages.

Il est prévu que je travaille à nouveau ma toile la semaine prochaine.

Croquis d'après photo - feutre

Je continue de puiser dans mon stock de pages arrachées à des magazines. C'est une bonne source d'inspiration pour moi. J'avais envie de traiter cette photo un peu comme une caricature, en mode BD. Je n'ai pas tellement su exagérer les traits comme j'aurais souhaité le faire. Accentuer la déformation du visage qui s'étire et plisse comme du tissu.

J'ai fait avec les moyens du bord, si le dessin est un language, je n'en maîtrise pas encore la grammaire et il me manque du vocabulaire :)

J'ai vu "le discours d'un roi" cette semaine. Excellent film à tous points de vue. Je me dis qu'en dessin aussi, on peut bégayer. On peut connaître le language mais souffrir de défauts d'élocution. La technique ne suffit pas. Peur, manque de confiance, ou d'estime de soi sont des obstacles à surmonter pour s'exprimer correctement.

Je commence avec une idée, un plan en tête, mais je ne m'y tiens pas longtemps, il arrive rapidement un moment où "ça part en live". Non non ce n'est pas moi qui commande, quelque chose me prend la main et me dit "laisse moi faire". Et c'est très surprenant. Raisonnablement, je n'associerais pas telle couleur avec telle autre, je serais plus sage :)

J'ai progressé dans le sens où je me soucie moins (presque plus) de "faire beau". J'accepte les dessins pour ce qu'ils sont. Même moches, même imparfaits. Du coup je me mets moins de barrières, je suis plus réceptive à ce qui vient.

En ce moment je réfléchis au moyen d'améliorer mes petits dessins dans leur support. Je voudrais en faire de plus jolis objets que ce qu'ils sont actuellement. J'ai regardé la plastification, les vernis, je suis tentée par la résine. C'est une idée à creuser.

Aujourd'hui j'ai compris quelque chose d'important : ce que je dois rechercher dans mes activités créatives, quelles qu'elles soient, dessin, collage, peinture ou modelage. Jusqu'à maintenant je savais qu'elle pouvaient m'amener à un "état" particulier, mais j'avais du mal à définir comment cela se produisait, et la nature de cet état.

Le déclic est venu en coloriant ce dessin ce matin. La recherche de l'harmonie, de l'équilibre, d'une certaine symétrie, des couleurs et des formes, met le corps et l'esprit en résonance avec cette recherche. La respiration s'apaise, on est en phase, en paix, c'est comme une pratique méditative, comme une balade en forêt, quand on est bercé par le rythme lent des pas et qu'on a l'impression de ne faire qu'un avec l'extérieur de soi. Le sentiment de beauté est intimement lié à cet état d'esprit.

C'est sûrement une évidence ce que je viens de dire, et je le pratiquais déjà, quand je recherchais l'équilibre dans mes créations. Mais jamais auparavant je ne l'avais ressenti aussi fortement comme le but à rechercher encore et encore. Je ne pense pas que je me dirai encore "à quoi bon ?" :-)

Nous regardons toutes les toiles réalisées lors des séances précédentes. Il y en a de très bien. Malheureusement j'ai oublié mon APN.

Pour cette dernière séance le prof nous a fourni une nouvelle photocopie noir et blanc. Il s'agit d'un paysage basique, un plan d'eau. L'objectif est d'apprendre à peindre l'eau.

Comme les fois précédentes il commence par faire la démonstration des gestes sur sa propre toile. Elle est recouverte d'une couche d'acrylique jaune, il a fait un dessin qu'il a fixé. Il nous explique comment faire un glacis : une application de peinture lissée d'un bout à l'autre du tableau avec le plat du couteau, comme on pose un enduit.

Il le fait pour le ciel, puis peint la ligne d'horizon, l'île, attaque les reflets de l'île sur le plan d'eau. Effet magique.

Je recouvre ma toile de grands aplats, je vais vite. Je fais la ligne de crête et l'île à toute vitesse, griffant nerveusement la toile pour ôter de la peinture et dessiner les troncs des arbres. Comme la dernière fois au début ça ne ressemble à rien mais ça bascule d'un coup. Je ne pensais pas avoir fini mais le prof m'intime l'ordre d'arrêter, que mon tableau est bien, que je vais le gâcher. Décidemment !

Il aime bien les couleurs que j'ai utilisées. L'ambiance, très différente de celle qu'il envisageait pour ce type de sujet (étang assez mélancolique) La mienne lui évoque les îles.

J'aimerais en refaire un. Et cette fois mieux voir la démo. Encore tellement de choses à apprendre. Visiblement cette technique correspond à mon caractère impatient.

DCM - huile sur toile 8F - couteau

Plume et feutre sur feuille A4 - d'imagination

Quand on dessine en copiant un sujet figuratif cela nécessite un certain effort, c'est un travail. Par contre le dessin abstrait d'imagination est uniquement dans le plaisir et le jeu, c'est pour cela que je l'aime.

Pour commencer j'ai fait l'espèce de cheminement aux formes droites, puis celles aux formes serpentines. J'ai couvert la feuille en la retournant tantôt dans un sens, tantôt dans l'autre. Ensuite j'ai donné une sorte de perspective imbecile tantôt à droite tantôt à gauche. Puis j'ai rempli les espaces par des hachurages en tous sens et toutes largeurs. Enfin j'ai rempli au feutre certains espaces.

C'est un jeu de composition, j'ai arrêté quand j'ai ressenti que c'était fini. Toute composition est une histoire d'équilibre. Petit/grand, droit/rond, foncé/clair... c'est une histoire d'harmonie.

A propos de composition, j'ai cherché vainement un ouvrage qui traite de ce sujet en dessin et peinture (en français). Je me suis "rabattue" sur l'ouvrage de Michael Freeman "l'oeil du photographe et l'art de la composition". Il y a beaucoup de parallèles entre la photographie et la peinture. D'autant plus avec les possibilités créatives des logiciels de retouche actuels. Le photographe doit simplement gérer davantage de contraintes (son sujet). Ce livre est excellent. Je savais des choses intuitivement, cela m'a permis de les conforter et de les approfondir.

J'aime beaucoup "Les clés du dessin" du Bert Dodson. Je me suis procurée son second ouvrage, "Keys to drawing with imagination". Il n'a malheureusement pas été traduit en français. Ce livre donne des pistes pour stimuler le dessin d'imagination et propose des exercices qui ont le mérite d'exercer la main, sans optique de produire quelque chose de précis au départ.

Plume et crayon blanc sur papier kraft

Je me suis ensuite amusée à retoucher mon dessin sur photofiltre :

Cher Père Noel,
J'ai été très vilaine, je n'ai pas été sage et pour Noel j'aimerais un livre qui me parle de Vincent Van Gogh. Je voudrais lire tout ce qu'il a écrit je voudrais voir tout ce qu'il a dessiné et tout ce qu'il a peint. Je voudrais savoir tout ce qu'il a pensé et surtout pourquoi il s'est coupé l'oreille. Pour quelle bétise.

Merci d'avance

Le médecin d'Einstein

Albert Einstein pour éviter que les gens lui vouent une sorte de culte après sa mort, souhaita être incinéré et que ses cendres soient répandues dans un lieu inconnu, ce qui fut fait. Il n'avait pas imaginé que son médecin allait dérober son cerveau pendant l'autopsie qu'il pratiqua, en prendre des photographies, le découper en tranches, dans l'espoir d'y trouver le secret de cette intelligence hors du commun.

Je n'ai pas encore montré mes dessins abstraits sur bristol à mon prof de peinture. Je sais qu'il aimerait présenter cette année à l'expo des élèves, des oeuvres format carte postale. C'est le format sur lequel je fais ces compositions graphiques, mais je doute qu'il ait ce genre de chose en tête, il pense plutôt dessin ou peinture figurative je suppose. L'an dernier je n'avais pas souhaité exposer avec les autres. Depuis la reprise des cours quand il me dit de réserver tel ou tel dessin pour l'expo je dis oui mais en me disant que probablement je n'y serai pas.

Mais je suis curieuse de le voir s'exprimer sur ces dessins. Je ne l'ai pas souvent entendu parler d'abstraction. Je ne connais ni ses références ni ses opinions sur le sujet. 

J'ai ramené de ma dernière virée trois anciens numéros de la revue d'Art Hey. Ceux que j'appelle les Maîtres, c'est à dire les artistes qui m'apprennent me touchent ou m'inspirent, ne sont pas que des vieux Maîtres :)

Yu Jinyoung est une artiste coréenne. Elle représente la famille, ses émotions apparentes et ses émotions cachées. Les visages (opaques) se détachent dans la lumière, les corps (transparents) se fondent dans des arrières plans noirs. Timidité, peur des autres, désir de se rendre transparent, ou souffrance de l'être, émotions de façade, masque jovial sur fond de tristesse, obligation de cacher ses sentiments...

Yu Jinyoung fait la chasse aux émotions. Elle démontre que les expressions d'un visage sont tellement subtiles... sa sensibilité est extrême.

Hey lui a consacré un article dans son numéro 5. Elle y explique ce qu'elle crée, pourquoi elle le fait et comment (si seulement on pouvait avoir le même éclairage sur toutes les oeuvres de tous les artistes).

Les oeuvres de Yu Jinyoung sont des sculptures de grande taille, entre 100 et 165cm - corps en PVC transparent modelé, visages, corps, mains, chaussures et chaussettes en argile. Pièces assemblées avec du fil transparent. Séries de personnages formant des familles.

Ces deux là sont indépendants l'un de l'autre. J'aime bien cette encre bleue (l'original est plus foncé que mon scann), mieux que le noir. Voilà ce qui me vient quand je prends un stylo plume, j'aimerais savoir ce qui vient quand je prends un pinceau et de la peinture...

Aujourd'hui j'écoute : Amy Winehouse

Un nom à rallonge et un talent qui ne l'est pas moins. Je découvre ce peintre, suite aux bons conseils de mon prof de peinture. L'ensemble de ses oeuvres est visible sur le site : 

http://www.jamesabbottmcneillwhistler.org.

Son travail est intéressant à plus d'un titre mais j'ai surtout regardé ses paysages minimalistes, prétextes à des études de couples de couleurs. Rouge et or, bleu et or, bleu et argent...   

J'ai retenu trois de ses dessins. On ne sera pas étonné de mon choix, c'est toujours le même style qui m'attire. Dessin au trait et plages de couleurs, coté inachevé. 

Van Gogh a choisi sa chambre dans la « maison jaune » comme sujet. Il réalise cette peinture en octobre 1888, période pendant laquelle il attend la venue à Arles de Paul Gauguin avec qui il souhaitait fonder un cercle d'artistes. (source : wikipédia)

Première version - Arles Octobre 1888 - huile sur toile - 72 x 90 cm

Van Gogh réalisera deux autres versions de ce tableau. L'original ayant été abîmé, son frère Théo lui demanda d'en réaliser une copie avant que l'original ne soit restauré. Van Gogh peindra donc en 1889 la deuxième version de La Chambre de Van Gogh à Arles (sans toutefois chercher à faire une copie exacte du tableau de 1888) actuellement exposée au Art Institute of Chicago.

"Mon cher Théo, enfin je t'envoie un petit croquis pour te donner une idée de la tournure que prend le travail. Car aujourd'hui je m'y suis remis. J'ai encore les yeux fatigués, mais enfin j'avais une nouvelle idée en tête et en voici le croquis. Toujours toile de 30.

C'est cette fois ci ma chambre à coucher tout simplement, seulement la couleur doit ici faire la chose et en donnant par sa simplification un style plus grand aux choses, être suggestive ici du repos ou du sommeil en général. Enfin la vue du tableau doit reposer la tête ou plutôt l'imagination.

Les murs sont d'un violet pâle. Le sol est à carreaux rouges.

Le bois du lit et les chaises sont jaune beurre frais, le drap et les oreillers citron vert très clair.

La couverture rouge écarlate. La fenêtre verte.

La table à toilette orangée, la cuvette bleue.

Les portes lilas.

Et c'est tout - rien dans cette chambre à volets clos.

La carrure des meubles doit maintenant encore exprimer le repos inébranlable. Les portraits sur le mur et un miroir et un essuie-mains et quelques vêtements. Le cadre - comme il n'y a pas de blanc dans le tableau - sera blanc.

Cela pour prendre ma revanche du repos forcé que j'ai été obligé de prendre. J'y travaillerai encore toute la journée de demain, mais tu vois comme la conception est simple. Les ombres et ombres portées sont supprimées, c'est coloré à teintes plates et franches comme les crépons (japonais).

... comment vont les douleurs, n'oublie pas de m'en donner des nouvelles."

Deuxième version - Saint Rémy sept 1889 - huile sur toile 73 x 92 cm

"Mon cher Gauguin, ... Je vous écrivais l'autre jour que j'avais la vue étrangement fatiguée. Bon, je me suis reposé deux jours et demi, et puis je me suis remis au travail, mais n'osant pas encore aller en plein air. J'ai fait, toujours pour ma décoration, une toile de trente de ma chambre à coucher, avec les meubles en bois blanc que vous savez.

Eh bien, cela m'a énormément amusé de faire cet intérieur sans rien, d'une simplicité à la Seurat. A teintes plates, mais grossièrement brossées, en pleine pâte... J'aurais voulu exprimer un repos absolu par tous ces tons très divers, vous voyez, et où il n'y a de blanc que la petite note que donne le miroir à cadre noir (où fourrer encore la quatrième paire de complémentaires là-dedans)."

Van Gogh réalisera une troisième version, plus petite (57 x 74 cm), qu'il offrira en cadeau à sa sœur.  Cette version se trouve au Musée d'Orsay à Paris.

Troisième version - Saint rémy sept 1889 - huile sur toile 56.5 x 74 cm

"Ma chère soeur, ... Tu trouveras le plus laid probablement l"Intérieur" une chambre à coucher vide avec un lit en bois et deux chaises - et pourtant je l'ai peint deux fois en grand. J'ai voulu arriver à un effet de simplicité comme on le trouve décrit dans Félix Holt. En te disant cela tu comprendras peut-être vite le tableau, mais il est probable que non prévenus cela reste ridicule pour d'autres. Faire de la simplicité avec des couleurs voyantes cela n'est pourtant pas commode et moi je trouve qu'il peut être utile de montrer qu'on puisse être simple avec autre chose que du gris, blanc, noir et brun."

Feutre sur bristol - 10x 15 cm

Le troisième motif de "dessin libre".

Liberté toute relative... j'ai beau ne me fixer aucun objectif, n'avoir aucune prétention à faire quelque chose de "bien", essayer seulement d'être dans le lacher prise et le plaisir, pas moyen de faire taire mon "oeil critique" qui me dit que ça ne va pas, que c'est nul, que ça manque d'équilibre, etc. pendant que je dessine. La difficulté est là.

Il y a un temps pour apprendre, s'exercer et se corriger où l'oeil critique est utile. Mais il y a aussi un temps pour simplement faire les choses telles qu'elles viennent. Pendant ces moments là l'oeil critique est assassin.

J'espère arriver par ces dessins "libres" à museler ce regard, où tout au moins à ignorer ce qu'il me dit. Oui ce que je fais n'a pas de sens, oui ça peut être laid, mal composé, non ce n'est pas grave.

"Arrangement 3"

Même si je cherche sciemment à dessiner quelque chose de volontairement bancal, mon oeil critique trouvera encore le moyen de me dire qu'il ne l'est pas assez ! :-)

Assemblage des trois motifs 3 - 1 - 2

Ernest Pignon-Ernest est né en 1942 à Nice.

J'ai regardé plus particulièrement "Ecce Homo" (pierre noire et encre sur papier - 119 x 82 cm) et "Louise Lame" (pierre noire encre de chine et craie blanche sur papier - 80 x 60 cm).

Ce qui m'a intéressée :

- la technique, mélange de lavis à l'encre et dessin au trait, dessin au trait seul par endroits
- la façon dont le modelé est amené par le lavis et l'ajout de hachures blanches et noires.
- l'énergie du trait, sa force, sa justesse
- l'écriture des hachures, libre spontanée et énergique

J'ai trouvé cette photographie sur internet mais c'est je pense une autre étude du même sujet :

Inutile de parler plus longuement des qualités de dessinateur de cet artiste... C'est la première fois que j'avais l'occasion de voir ses dessins "en vrai". J'espère voir un jour une exposition qui lui sera consacrée.

"Né en 1978 à Baia Mare (Roumanie), vit et travaille à Bucarest (Roumanie). Mircea Suciu a étudié la peinture à la Cluj Art School en Roumanie où il enseigne actuellement. L'artiste s'inspire du XX^e et XXI^e siècle, puisant ses inspirations sur internet et dans la photographie contemporaine afin de construire des formes de critique sociale qui lui sont propres. Il est très tôt fasciné par l'Histoire et par les agissements irrationnels de l'être humain, qu'il interprète dans son œuvre par des attitudes et des positions ironiques, teintées d'humour, dans une atmosphère toujours très sombre, quasi solennelle.

Mircea Suciu peint mais surtout dessine au fusain de très grands formats en clair-obscur noir, gris et blanc qui apportent encore plus d'intensité dramatique.Dans de grands mouvements de foules et de rassemblements, il dépeint ces personnages de manière très réaliste qualifiant même son œuvre de "réalisme psychologique" tant l'histoire qui s'en dégage nous paraît si proche de nous."

Tous les dessins montrés ici (comme pour les autres artistes) n'étaient pas présentés au salon du dessin. Je suis allée sur le site de l'artiste faire mon choix (cliquer sur les images pour en connaître le titre, les dimensions et la technique). Les dessins de cet artiste exposés à Drawing Now me plaisaient moins, de par leur sujet, hormis peut-être celui-ci :

Ce qui m'intéresse dans les dessins qui suivent :

- le sujet
- le fusain, la technique, l'ambiance

C'est encore du très très grand format.

Pierrick Naud est né à Cholet en 1969.

Ce qui m'a intéressée :

- son style et sa technique : fusain et encre, dessin recouvert de vernis
- le sujet.
- on a l'impression que les visages sont absents mais quand on y revient on s'aperçoit que seul le haut du visage est flouté et les yeux manquent.
- la façon dont le mouvement est rendu
- les personnages, les costumes, son univers bien particulier
- le dessin au trait, les plages plus sombres, chaussures, chevelures, vêtements
- le minimalisme et la justesse. Rien ne manque et il n'y a rien de trop