Première étape : retrouver tout mon matériel rangé dans des placards depuis des mois... reprendre la planche que j'avais préparé pour une peinture, et sur laquelle j'avais collé du papier peint préparé au gesso et  teinté... ça c'est dans un coin du garage. Sortir des posters de chevaux pour trouver un modèle, et se lancer... dessin préparatoire au fusain... j'ai l'impression de quelqu'un qui marcherait avec des béquilles après un accident. 

A force de regarder des dessins l'envie impérieuse de dessiner à finir par prendre le dessus de mes réticences.

pierre noire et craie blanche sur papier teinté (avant petites corrections) - 50 x 50 cm

J'ai remarqué les mains de Mustapha Sedjal, brodées ou sur papier percé.

Ainsi s'achève mon petit aide-mémoire de Drawing Now 2014. Je suis bien entendue passée devant beaucoup d'artistes sans en percevoir la qualité. Nous avons tous une cécité et une acuité visuelle partielles, associées à une vision déformante. Notre regard personnel, mélange de notre projection intérieure et de notre vision du monde.

Ces particularités, qui entrent en contact avec celles de l'artiste au travers de la vision des oeuvres, produit quelque chose de nouveau. C'est une alchimie que je trouve passionnante. Tout comme la richesse de sens et d'émotion que peut receler un dessin.

Je me suis posée la question de savoir pourquoi j'aime particulièrement le dessin. Ces traces dans ce qu'elles ont de plus simple, du noir sur du blanc ou du blanc sur du noir. Je pense que la réponse est : ce que j'aime dans l'Art c'est l'Idée, un mélange de concept, d'émotion et de beauté.

Et la trace qui vient en premier et qui matérialise l'idée, celle qui est la plus directement produite et la plus spontanée, la plus simple dans le moyen et la plus pure dans le contenu, c'est le dessin.

Compte tenu de mon attirance pour les mots, il était impossible que je passe à coté des dessins de Dominic Mc Gill sans m'y attarder.

Utiliser les mots comme le matériel graphique de base produit des oeuvres qui ne sont pas universelles mais qui s'inscrivent dans une histoire, une géographie et une culture. Elles ne sont accessibles qu'à ceux qui y appartiennent ou les connaissent, c'est ce qui en fait la limite mais aussi leur procure une richesse particulière. Le sens est là, pour ceux qui ont la clé.

Notre époque et notre civilisation sont celles de l'image et des mots omniprésents, ils peuvent s'emmêler inextricablement dans notre esprit dans un fouilli de sens et d'associations d'idées. Dominic Mc Gill en offre une bonne représentation.

"Une quantité astronomique de dessins est passée à travers les galeries d'art cette saison, et Dominic McGill en ajoute encore un autre, mais celui-ci est différent. Intitulé "Project for a New American Century" il est d'une dimension rare : 20 mètres de long et 2,5 mètres de hauteur. Il se tord sur lui même comme un labyrinthe dans la petite galerie de Eller. Et le sujet est épique: l'histoire de la fin du 20ème siècle, un sujet labyrinthique et tordu.

M. McGill, qui est né en Angleterre et vit à New York, montre que dans l'histoire, en commençant par le bombardement d'Hiroshima, dans un flux de données de mots et d'images, les mots prédominent. Aménagé comme une sorte de chronologie de libre-association, les noms de centaines de personnes, lieux et événements, écrits dans des dizaines de styles de lettrage, pullulent sur une surface murale de taille, mêlée de titres de l'actualité et de slogans. 

La chronique savante de M. McGill fait plus que d'aligner des faits. Il les tricote ensemble de sorte que les relations de cause à effet de l'évolution historique à travers le monde deviennent claires. Et il le fait en termes visuels ingénieux, en faisant varier la taille, le style et le poids du texte manuscrit de sorte que l'histoire est racontée dans d'innombrables couches qui se croisent et se chevauchent. Le dessin, dont le titre est une légère variation sur le nom d'un groupe de réflexion néoconservateur basé à Washington , se termine dans le présent, avec l'image d'une forêt sans chemin où les mots disparaissent. Est-ce le début d'un nouvel âge des ténèbres ou le bord d'une nouvelle frontière? Des artistes tels que M. McGill vont nous dire."

(Article du New York Times)

J'ai remarqué les dessins de Paul Pouvreau. Il choisit certaines images de l'actualité et les reproduit au stylo bille quatre couleurs sur des pages du quotidien Le Monde.

Ce qui m'a intéressée :

- le moyen utilisé : la superposition et la double profondeur de lecture et toutes les possibilités que cela ouvre

Un artiste dont j'avais remarqué les dessins l'an dernier : Richard Müller.

Ce qui m'intéresse :

- le hachurage (petits traits verticaux)
- la technique (Gouache et crayon aquarellable sur papier aquarelle - Crayon, crayon de couleur et gouache sur papier)
- le sujet
- le rendu
- la luminosité des dessins

Dan Miller superpose des couches considérables d’écriture – lettres, figures, mots – jusqu’à l’illisible. Il fait partie depuis 2008, de la collection permanente du célèbre muséum d’art moderne de New-York (MOMA). Il y avait un beau dessin de lui au salon. J'ai noté "traits et mots entrecroisés". (voir la vidéo en cliquant sur le nom de l'artiste)

Ce qui m'interesse :

- les mots, l'idée de message émis et caché

- la beauté des dessins

- leur pouvoir évocateur : accumulation historique, générations humaines, mots envolés et perdus, personnes qui parlent en même temps et ne s'écoutent pas, difficulté à communiquer, branchages entrecroisés...

- l'émotion que ces évocations procurent

Mathieu Lauffray est né à Paris en février 1970. Il est auteur de BD, illustrateur et concept designer. Au salon Il était présenté par la galerie 9ème art (galerie d'oeuvres originales de bandes dessinées). Je vous conseille la visite de ces deux sites.

Certains artistes exposant au salon du dessin contemporain ne savent pas "dessiner" dans le sens où on l'entend habituellement. Il est clair quand on voit ses réalisations que Mathieu Lauffray n'a pas ce problème (si problème il y a). Il maîtrise entièrement les techniques du dessin.

Les dessins qui suivent étaient au salon, ils sont magnifiques (les photos n'en sont pas très bonnes mais on peut en avoir un zoom sur le site de la galerie), le trait est énergique, juste, la technique en phase avec l'époque de l'histoire dans laquelle ils devaient s'intégrer. (Cliquer sur les images pour en connaître les intitulés, techniques et dimensions).

"En 1999, Mathieu Lauffray collabore au film, Le Pacte des loups. Pour ce film, il met au point de nombreux designs, travaille sur les story-boards et crée le carnet de voyage d’un des personnages, de Fronsac, dont les dessins apparaissent dans de nombreuses scènes du film. Il sera également la doublure à l’écran de la main de ce personnage dans les scènes où celui dessine ces fameux carnets."

Les deux dessins qui suivent appartiennent à l'univers de la bande dessinée "Long John Silver". Dans le portrait j'ai observé la façon dont coups de crayon et tracé énergiques, caractère et physionomie du personnage représenté s'accordent à la perfection.

"Je suis née à Milan en Italie en 1963. Diplômée de l’institut d’art et de l’école de cinéma de Milan, j’ai commencé à 24 ans à publier des bandes dessinées et à travailler comme illustratrice pour des quotidiens, des magazines et des maisons d’édition. Depuis plusieurs années, j’illustre la section littérature de La Repubblica. Également designer, j’ai dessiné des tapis, des tissus et des objets pour plusieurs entreprises."

Pour l'univers, sa poésie, la technique, l'équilibre des compositions, l'harmonie et la douceur des formes et des couleurs, et surtout pour le plaisir, quelques dessins aux crayons de couleurs de Gabriella Giandelli

En passant devant les dessins de Nicola Toffolini j'ai mis un petit temps avant de comprendre que c'était une vue en coupe. La terre, sa surface, et la terre en profondeur, un enchevètrement de racines.

J'ai trouvé l'idée drôle et intéressante, c'est un choix de sujet original. Le site de Nicola Toffolini mérite une visite, pour sa technique de dessin, son style, ses choix de compositions, son univers, son point de vue et son humour.

Un aperçu de ses carnets :

Et de ses autres dessins :

La nature, sa beauté graphique, la vie qu'elle recèle, voilà un sujet plus léger et qui change agréablement des deux précédents.

J'ai déjà parlé de Steven C Harvey et de ses Véhicules extraordinaires à l'occasion du salon Drawing Now 2013. Cette année j'ai vu de lui encore des véhicules. Steven C. Harvey est né en 1967 à Stafford, Angleterre. Il vit et travaille à Athènes.

Les dessins de Steven C Harvey sont très pâles et très précis, très minutieux. Le crayon se pose doucement sur le papier et le colore à peine, avec une grande subtilité et beaucoup de précision, un grand luxe de détails minuscules.

C'est en faisant une recherche sur son nom que j'ai découvert une émouvante série de dessins de cet artiste consacrée à l'extrême vieillesse. On y retrouve l'alliance de délicatesse et d'originalité mordante de cet artiste, son univers fantastique et son imaginaire, sa vision personnelle, sa sensibilité, sa technique toute en nuances. Toutes choses qui font la qualité de ses dessins.

Julien Beneyton est né à Echirolles, France, en 1977. Il vit et travaille à Paris.

Julien-Beneyton-Wish-List-Rolex-2013-acrylique-sur-papier-24-x-39-cm

Au salon il n'y avait que des acryliques sur papier en noir et blanc, il faut aller sur son site pour voir ses oeuvres en couleur. Scènes de rue, personnages urbains, tatouages, objets du quotidien, affiches... (Acrylique sur papier ou sur bois).

NYC-Subway-people-acrylic-on-wood-54-x-65-cm-2007

NYC-Butch-acrylic-on-wood-215-x-30-cm-2006

NYC-Crystal-Courtney-acrylique-sur-bois-54-x-65-cm-2006

NYC-J-Roc-sa-petite-nièce-acrylique-sur-bois-54-x-65-cm-2006

NYC-Ramasseuse-de-canettes-acrylic-on-wood-318-x-423-cm-2007

Ce qui m'intéresse : les compositions, les couleurs, les choix de sujet, la parenté avec la peinture naïve, les lettres et textes

Yann Thoreau est né en 1969. Il vit et travaille à Angers.

Ce qui m'a intéressée :

- les écarts de formats, soit tout petit (5,6 x 5,3 cm), soit monumental (292 x 160 cm)
- le style
- la technique
- le soin apporté à la réalisation

Dans les peintures découvertes sur son site :

- la sobriété et une forme d'élégance
- une sorte de minimalisme et de perfectionnement mais axé sur l'essentiel
- la pureté, l'aspect un peu glacé
- le petit nombre de couleurs utilisé
- les titres (le prénom du sujet)

Les tout-petits :

5,6 x 5,3 cm. Mine de plomb sur papier

5,6 x 12,9 cm. Mine de plomb sur papier

7,3 x 9,2 cm. Mine de plomb sur papier

7,6 x 7,2 cm. Mine de plomb sur papier

Les très très grands :

Fusain et craie sur papier. 292 x 160 cm

Les peintures :

Tempera sur papier marouflé sur toile. 76 x 196 cm

Tempera sur papier marouflé sur toile. 135 x 105 cm

Ce qui frappe quand on compare le salon du dessin "classique" et Drawing Now, le salon du dessin contemporain, c'est l'évolution du statut du dessin. C'est flagrant quand on regarde les formats. Le dessin est devenu une oeuvre à part entière et il s'affirme en tant que telle par ses dimensions. Une taille supérieure à 1 mètre devient monnaie courante.

Les dessins de Luc Detot en font partie. Même le matériau utilisé dans sa technique (poudre de marbre, mine de plomb et cire sur bois) prétend faire de l'oeuvre un monument. Je dis "prétend", parce que si l'on réduit le dessin à une taille "normale" a-t-il encore autant de force ? La taille devient partie intégrante du discours. Elle fait partie du vocabulaire plastique. La question est, peut-on donner de la puissance à tout en en augmentant les dimensions ? Donner de la puissance non. Donner un sens différent, oui. D'une certaine façon, ça marche. L'effet produit par un dessin monumental est sans contestation possible différent.

On peut dire que les portraits de Luc Detot hurlent "regarde moi" par leur taille imposante. Les personnages grimaçants de Luc Detot ferment les yeux et la bouche le plus fermement qu'ils peuvent, comme s'ils étaient environnés d'un gaz nocif. Est donc absent ce qui fait le charme d'un portrait, c'est à dire l'expression et l'ouverture ; le regard.

Le style d'écriture, le hachurage, le trait, se voit bien, parce qu'en très gros plan. Les tracés sont arrondis et assez légers, pas d'énergie mais une certaine application, le tout donne une sorte de mollesse et évoque une chair presque sans support osseux. On ne devine pas le crane, juste la superficie du visage.

Je ne peux pas dire que j'aime. D'ailleurs je ne le dis pour ainsi dire jamais. On ne demande pas à une oeuvre d'être aimable. Je lui demande de me toucher, de m'intéresser, de me surprendre, de m'intriguer, de me faire réfléchir, je lui demande de m'évoquer des choses, de provoquer mon admiration, de m'émerveiller ou de m'ouvrir à d'autres mondes.

Certaines oeuvres provoquent le malaise, d'autres sont carrément dérangeantes j'en ai même vu qui suscitaient un sentiment de dégout, celles là je les fuis. Le monde qui nous entoure fait suffisamment le travail, inutile d'en rajouter.

Qu'en est-il des dessins de Luc Detot ? Le sentiment est difficile à définir.

Par leur taille ils crient de les regarder, ils s'imposent comme un hurlement. Et ces visages n'ont rien à dire. Ils sont silencieux et fermés.

"Ecoute mon silence", "Regarde-moi il n'y a rien à voir", voilà ce que j'entends et voilà ce que je vois. On pourrait dire "tout ça pour ça !" mais à bien y réfléchir, la dimension était bien LE moyen de crier qu'on se tait et de montrer qu'on se cache.

Je parlais un peu plus haut du "monde qui fait le travail", ce n'est sûrement pas un hasard, et c'est sans aucun doute, je m'en rends compte en me relisant et en le regardant, quelque chose qui m'a été inspiré par ce visage, qui refuse de regarder. Ce n'est pas tant qu'il se tait et qu'il se cache, c'est surtout qu'il se protège de l'extérieur. Il ne laisse rien sortir de lui, mais il ne laisse rien entrer non plus.

François Avril est né en 1961 à Paris. Diplômé de l' École Nationale Supérieure des Arts Appliqués et des Métiers d'Art, il débute sa carrière en tant qu'illustrateur pour la presse magazine, la publicité et l'édition. Seul, ou en collaboration avec des scénaristes, il a réalisé de nombreux livres pour enfants, ainsi que quelques bandes dessinées. On lui doit également de nombreuses estampes en éditions limitées.

J'avais déjà remarqué ses dessins de gares, très graphiques, au salon Drawing Now 2013 :

Ceux qu'il a présenté cette année étaient d'un style différent mais tout aussi épuré :

En petite curieuse je suis allée visiter son site, et j'en ai ramené quelques peintures (acrylique sur papier) :

Les noms notés sur mon carnet pendant la visite du salon sont comme des pistes à suivre, et parfois elles amènent à des trésors. C'est le cas pour François Bard, une très, très belle découverte pour moi.

Voici les deux grands dessins de lui qui étaient présentés à Drawing Now. Ce qui m'a séduite : le sujet, le cadrage, la force qui se dégage des dessins, leur technique, le savoir-faire, le contenu émotionnel.

L'homme assi - fusain sur papier - 117 x 110 cm et  L'homme couché - fusain sur papier - 70 x 100 cm

Claire Trotignon est née en 1985 à Paris où elle vit et travaille actuellement.

Encore une galerie où on était obligé de demander le nom des artistes ayant réalisé les dessins. Aucune mention ni du titre, ni de l'auteur, ni de la technique. J'ai donc posé la question pour une grande sérigraphie représentant un paysage, devant laquelle je suis tombée en arrêt. C'est peut-être ma plus forte émotion du salon. Ce dessin en particulier. Les autres oeuvres de la même artiste ne m'ont pas fait le même effet.

Ce qui m'a intéressée :

- la parenté avec les paysages chinois
- la modernité
- le sujet, élement d'architecture moderne et fragment de montagne sauvage, leur contraste
- la simplicité, l'élégance
- le positionnement du dessin dans la feuille, la taille respective des deux
- la technique de dessin
- l'effet produit par les coulées de neige, on a l'impression de déchirures, ou d'un mouvement en cascade

Un autre dessin trouvé sur le site de Claire Trotignon et dont j'aime beaucoup le sujet :

Jérémy Liron est né en 1980 à Marseille, il vit et travaille à Lyon.

En passant devant, j'ai regardé les dessins de Jérémy Liron d'un oeil critique. Mais de loin, toute cette série d'images grises prenaient un aspect différent, ce qui a fait que je me suis approchée à nouveau, puis reculée. Et que finalement j'ai gardé en mémoire l'effet produit par ces dessins (acrylique sur papier), et que j'ai noté le nom de leur auteur.

En faisant la recherche sur le net j'ai vu que cette série s'appelle "Images inquiètes". J'imagine des études préparatoires à ses peintures de paysages urbains recouvertes d'un lavis gris par l'inquiétude. Laquelle ? On ne sait pas. Ce serait intéressant d'en discuter avec l'auteur.

Jérémy Liron réalise des peintures d'éléments d'architecture. Ce qui m'intéresse dans ces peintures : le sujet et le format carré. 

"Méandres de fils et d'organes, le corps représenté par Plny ne laisse pas indifférent : transparent, l'être devient cœur, foie, poumons, cerveau, artères etc. Parfois tout à fait fantaisiste, se glissent entre ces parties vitales, des personnages, des visages qui achèvent de conférer à cette œuvre magistrale une étrangeté mordante.

Né en Tchéquie en 1961, Lubos a d’abord été électricien, fasciné par le corps, il décroche le titre de «modèle académique» par l’école des Beaux-arts de Prague, il applique le tampon officiel de ce prix sur ses créations. Cette passion l’a rendu expert dans les arcanes de l’anatomie, dans les circulations des fluides et secrétions. Dessiner l’un de ses organes l’amène à une forme de méditation sur les limites de son existence physique, une manière de conjurer la mort, de sublimer la vie."

Ce qui m'a attirée :

- la complexité, la sophistication (voir dessins d'Abu Bakarr Mansaray)
- l'aspect mécanique, mais humanisé par les visages, les regards
- la vision entière qu'a cet artiste de l'être humain, en même temps le corps et esprit, l'intérieur et l'extérieur, la mort et la vie, le mouvement, quelque chose d'extrêmement compliqué qui ne s'arrête jamais

"Anke Feuchtenberger est sans doute la plus célèbre des dessinatrices allemandes, en tout cas celle dont l’influence aura été la plus déterminante pour la bande dessinée indépendante européenne. Née en 1963, elle fait ses études aux Beaux-arts de Berlin-Est. Elle exerce l’activité de professeur d’illustration et de bande dessinée à Hambourg.
En 2008, elle a reçu le prix du meilleur auteur germanophone au festival d'Erlangen en Allemagne."

Ce que j'ai apprécié dans cet ensemble de 6 dessins vu au salon :

- l'équilibre des valeurs, la composition
- l'atmosphère, l'univers
- la technique (fusain)

D'autres dessins de la même artiste trouvés sur internet :

Né en 1985, vit à Bienne. Je suis passée devant les dessins de Matthias Wyss assez rapidement, je commençais à sentir la fatigue. Et puis... j'ai vu qu'il était sur le stand, en l'entendant parler de ses dessins à des visiteurs. Alors je les ai regardés un peu plus attentivement. Les dessins de Matthias Wyss sont assez discrets, ils ont un coté doux, ils ne hurlent pas "regarde moi" au visage des gens. Ils sont comme ces personnes timides et peu expansives qu'on doit prendre le temps de découvrir et qui révèlent des trésors insoupçonnés. Tout un monde de rêve, tout un univers imaginaire.

"Le dessinateur Matthias Wyss se fixe des cadres temporels très vastes et se confronte quotidiennement avec des projets relativement importants. Le cycle provisoirement intitulé Tageslicht comprend environ 250 dessins créés selon ses motifs courants. Au début, Wyss définit ces motifs à partir de fragments de phrases, puis il les concrétise à travers le dessin. La mine de plomb est l’outil qui lui permet de coucher ses images sur le papier et son oeuvre se développe de manière exclusivement analogique, en partant de son imagination. Le travail se fait sans ébauche préalable: la composition et le modelage se font directement sur le papier. Matthias Wyss se laisse guider par le dessin où de nouvelles formes et de nouveaux contenus se développent avant d’être à leur tour retravaillés. En observant les dessins, qui offrent chacun son propre champ d’interprétation, cette intense confrontation devient perceptible."

Ce qui m'attire :

- le dessin d'imagination, son processus créatif
- sa complexité, la richesse des compositions
- l'univers, l'imaginaire, son caractère très personnel et unique
- le fait qu'on puisse/doive regarder longtemps pour découvrir tous les détails
- la liberté d'interprétation

Il faut visiter le site de Matthias Wyss pour observer les images en très grand format de ses dessins ou visualiser ses séries.

Par exemple :

http://www.matthiaswyss.com/uploads/images/grosse_bilder/trip-ot-gross.png

http://www.matthiaswyss.com/uploads/images/grosse_bilder/arche_noha_gross.png

Thomas Ott, né le 10 juin 1966 à Zurich, est un auteur suisse de bande dessinée. (voir la vidéo sous le nom de l'artiste).

J'avais déjà remarqué les dessins de Thomas Ott au salon Drawing Now de l'an dernier. Cette année il était présent sur le stand, j'étais très impressionnée de le voir :-)

"Sa technique de prédilection est la carte à gratter. Il dessine donc en noir et blanc mais l'usage de cette technique particulière, par opposition à l'encre de Chine par exemple, rend naturel de laisser le noir dominer le dessin, et constituer le fond de l'image. Le noir est ici la couleur par défaut. Ceci convient aux histoires et à l'atmosphère pessimistes et même parfois étouffantes que crée Ott. À cela s'ajoutent des cadrages très cinématographiques, avec des cases qui s'étendent fréquemment d'un bord à l'autre de la page, tout en restant étroites. Les bandes dessinées de Thomas Ott sont essentiellement muettes, le texte n'étant présent que comme élément du dessin (pancartes, panneaux et étiquettes)."

Johann Rivat est né en 1981, il vit et travaille à Grenoble. Il a fait ses études à l’École des beaux-arts de Lyon, puis de Grenoble (dont il est diplômé en 2008) ainsi qu’au département Art de l’université de Shanghai. Son travail est régulièrement exposé en France et à l’étranger.

"Dans sa dernière série Uncivilized Johann Rivat dessine l’indignation sauvage des anonymes qui se dressent contre l’ordre établi.
Johann Rivat est fasciné par le rêve de ceux qui veulent changer le monde sous nos yeux cathodiques. Les scènes dessinées ont l’intensité immédiate d’une tragédie grecque. Les personnages sont en groupes informels. Pas de héros central, de leader, qui articulerait la composition pour souligner l’esprit antiautoritaire et antisystème des mouvements récents.
La sobriété du graphite et la rigueur de l’ordonnancement géométrique des éléments d’architecture s’opposent au désordre des groupes figurés. Les scènes de rue sont tendues dans la pure tradition de la peinture d’histoire pour exalter le romantisme ardent de ceux qui refusent la résignation. La force du dessin de Johann Rivat transcende l'image d’actualité pour célébrer l’esthétique de la révolte."

Ce qui m'intéresse :

- les contrastes très marqués

- la technique de hachurage pour rendre la fumée, le feu

- le sujet

Né en 1970 à Tongo, Sierra Leone.
Vit et travaille à Freetown, réfugié en 1998 à Harlingen, Pays-Bas.

"Abu Bakarr Mansaray, de son vrai nom Abu Bockari Mansaray, interrompt ses études en 1987, et vient s’installer à Freetown chez son oncle.
C’est dans un de ses pays les plus pauvres d’Afrique de l’Ouest, qu’Abu Bakarr décide de devenir artiste avec une volonté inouïe d'apprendre et d'inverser la marche d’un pays qui sombre dans la guerre civile. “Sometimes I tried to make or design things if I cannot afford to buy them from the shop. Mostly I succeeded in making them, sometimes not”.
Il étudie seul dans les manuels de chimie, de physique, d'électronique, de mathématique et s'autoproclame “Professor”, travaillant inlassablement à l'élaboration de systèmes, de machineries automatiques, mécaniques, électriques. Il fabrique des machines à produire du feu, de la lumière, de l'air, de l'eau, du froid, du mouvement, du son. “I am an artist doing a lot of creations without limitation. I do drawings, paintings, sculptures (with my own self designed engines). I also invent machines for my own use at home and sometimes for people”.

Il a réinvestit une technique très courante en Afrique Centrale, qui consiste à fabriquer en fils de fer des objets décoratifs ou des jouets. Il applique cette technique qu’il pousse au maximum de ces possibilités pour la réalisation de machines futuristes au fonctionnement extravagant. Il réalise parallèlement des dessins faits de calculs, d’études, de schémas et de commentaires au crayon de papier, stylo bille et crayons de couleurs conçus comme des œuvres à part entière. “I like doing strange drawings with a lot of complications and also designing complicated machines with scientific ideas that are sometimes beyond human imaginations (example is the machine I designed called the “Hell Extinguisher” and “Nuclear telephone discovered in Hell”)”.

Sans doute la situation économique, politique et sociale de Freetown et de la Sierra Léone, totalement détruite, où la guerre n’a laissée derrière elle que des ruines et carcasses calcinées ont largement pris part au fantasme, à l’imaginaire et à l’inspiration du jeune Abu Bakkar qui a réussi à fuir son pays dans des conditions indescriptibles. Il est réfugié désormais en Hollande ou il peut enfin se consacrer à de très grands dessins et projets. “I like doing complicated drawings because I like special arts with techniques and I want people to feel the power of creations”.

Ce qui m'a attirée :

- c'est beau, compliqué, sophistiqué
- l'espace de la feuille est entièrement rempli
- le sujet, la composition
- la technique de dessin
- le mélange d'imaginaire et de réalisme, l'univers, qui me fait penser à Jules Vernes et à Léonard de Vinci

Dans l'espace de la galerie Römerapotheke, de Zurich, difficile de savoir qui étaient les auteurs des oeuvres. J'ai fini par retrouver des images sur internet. Et peu d'informations sur cet artiste, dont je ne sais même pas si c'est un homme ou une femme.

J'ai tout de même trouvé quelques dessins pour garder en mémoire ce que j'ai vu au salon et qui m'a intéressée. Ce sont des grands dessins au graphite sur papier. Ce qui m'a attirée : les compositions, les ambiances lumineuses, les formes. La technique. Le graphite a un coté luisant que n'a pas le fusain.