Feutre sur bristol

Une partie d'une des fiches utilisées pour ma mosaïque. Je l'ai scannée car j'ai envie d'en conserver le motif. J'aime ces jeux de perspective changeante.

J'ai terminé hier la première feuille de 29 x 42 cm. Les suivantes seront sur fond noir c'est tout ce que j'en sais, même si j'ai une petite idée de l'assemblage final des feuilles.

Pour les cours à venir, notre prof de peinture nous suggère un travail sur la lumière d'un matin brumeux au crépuscule, à traiter en trois tableaux de 30x30 cm. Pour cela il nous a fourni plusieurs modèles/sources d'inspiration :

Six tableaux et une photographie, dont j'ignore le nom des auteurs, j'ajouterai l'info si je la trouve. Ces modèles viennent à point pour me redonner un peu de motivation et me conduire à reprendre le chemin des cours.

(Après une visite au blog de Jon "the road from Tarascon")

"Rousse" dit aussi "La toilette" - Toulouse lautrec

C'est un tableau vraiment interessant à regarder. Pour mieux en voir tous les aspects j'ai fait des retouches avec le logiciel photofiltre. A chaque fois ce sont des retouches simples, sans modification. Cela permet de regarder plus attentivement tel ou tel aspect de l'oeuvre. Composition, placement des valeurs, des couleurs, des volumes...

C'est en tout petit qu'on apprécie le mieux la composition, le placement des formes et des valeurs.

La transformation "sanguine" : je remarque la composition en triangle. Le tableau est coupé en deux par une diagonale qui va de gauche à droite en partant du haut, avec des valeurs claires à gauche en bas et des valeurs foncées en haut à gauche.  Une tâche claire dans le foncé (en haut à droite) et une tâche foncée dans le clair (à gauche de l'épaule gauche) s'équilibrent mutuellement.

Deux transformations successives : "noir et blanc" et "négatif". Le fait d'inverser le noir et le blanc me permet de mieux percevoir les valeurs. Le dos est très clair, le pied droit et la chevelure sont très foncés. On voit clairement le triangle formé par le corps. Ce triangle ressort sur le fond, par sa forme et par ses valeurs, qui sont les plus claires (dos) et les plus foncées (tête, pied) du tableau.

Transformation "contours encrés". Elle montre la façon dont les traits participent à la composition. Le parquet en haut à droit qui part en diagonale, la forme triangulaire sous le bras droit, petit triangle à l'intérieur du plus grand triangle du corps. On voit l'utilité de la bassine près du visage. En couleur et valeur elle fait contrepoids au tissu posé sous les fesses. Elle isole le visage des traits en diagonale du parquet.

Transformation "papier gaufré"

Transformation "photocopie". Je remarque la zone très foncée en bas à droite, qui fait contrepoids à la chevelure. La tête est dans la partie gauche et haute du tableau, si elle était restée seule foncée dans le tableau, il aurait été déséquilibré. Le siège en osier répond au corps. Forme négative triangulaire et forme en arrondi rappelant l'épaule.

Transformation "estampage". Elle donne une vision interessante, en donnant une impression de relief en creux. Elle permet d'apprécier les traits. On voit clairement le modelé donné au corps, au dessous de la jambe, au dessous des cheveux.

Là c'est la transformation "raviver les couleurs". Je vois les tons chauds et les tons froids plus clairement. La palette est limitée en nombre de couleurs. Des bleus verts, des bleus-rouges (violets). Des jaunes-rouges, des bruns-rouges.

La transformation "aérographe" montre mieux le placement des couleurs dans la composition. Le corps semble être dans l'eau, alors qu'en fait la femme est assise sur le parquet. C'est le choix des couleurs qui induit cette impression. La peau et les cheveux sont mis en valeur par leur environnement. La vision plongeante sur le dos et la tête accentue cette mise en valeur.

Transformation "étalement". L'impression d'eau est accentuée. Cette fois on dirait que la femme est assise dans la nature. Choix des couleurs, encore.

Transformation "pointillisme"

Transformation "couteau à palette"

Transformation "1 pixel sur 2". Ce n'est pas encore conforme à ma vision personnelle, mais ça s'en approche. Vers une abstraction, une simplification des formes. Conserver les contours, avoir une palette restreinte. Si je devais peindre mon interprétation, j'irais dans cette direction. Cernes des formes, peu de couleurs, tons lumineux.

Pour le plaisir et parce qu'elle est belle. Une dernière transformation, qui s'appelle "reflet dans l'eau"... Je reste là dessus, finalement, la voilà mon interprétation :-)

"La rousse" est décidemment un chef d'oeuvre.

Si un oeil plus averti que le mien passe par ici et a vu quelque chose qui m'a forcément échappé, merci de compléter l'article par un comm ;)

"Il commence la série des travaux des champs, d'après des gravures de Millet qu'il interprète par la couleur. Il s'agit pour Vincent de tout autre chose que de copies. "Je pose le blanc et noir de Delacroix ou de Millet ou d'après eux devant moi comme motif. Et puis j'improvise de la couleur là dedans, mais bien entendu pas tout à fait étant moi, mais cherchant des souvenirs de leurs tableaux... Alors mon pinceau va entre mes doigts comme serait un archet sur le violon et absolument pour mon plaisir." (Leprohon)

"Un artiste original ne peut pas copier. Il n'a donc qu'à copier pour être original" (Jean Cocteau)

"le bon samaritain" Delacroix

"le bon samaritain" Van Gogh

Vincent Van Gogh (1853-1890)

"Arrivé au musée il passa la plus longue durée de son temps devant "La fiancée juive", de laquelle il ne pouvait pas se détacher"

"la fiancée juive" - Rembrandt

"Ma palette est en train de dégeler" écrit-il à Théo... il commence le périple qui le conduira vers "le japon", jusqu'à l'extrême-orient de la lumière et de la couleur".

"Quelques semaines avant son départ il peint une nature morte, cette toile est une oeuvre clé au tournant non seulement de la carrière, mais de l'esprit et de la vie de Vincent".

 "La bible ouverte" - Vincent Van Gogh

"une bible ouverte au verset d'Isaîe qui exalte les souffrances et la réhabilitation finale du serviteur de Dieu,  et un roman français moderne "la joie de vivre" de Zola"

"ainsi est illustrée de façon saisissante le passage chez Van Gogh des ténèbres à la lumière, de "Sorrow" à la joie"

"Sorrow" - Vincent Van Gogh

Si "Les mangeurs de pomme de terre" compose la synthèse de la période hollandaise, "la bible ouverte" en constitue un testament."

"Les mangeurs de pomme de terre" - Vincent Van Gogh

PREMIERE SEANCE :

1) Préparation du support : Toile de coton 12F. Peinture acrylique jaune. Notre prof n'utilise pas de gesso.

2) Préparation des couleurs : la peinture à l'huile est versée dans des pots en plastique (boites de pellicules photo récupérées). On ajoute de l'huile de lin polymérisée (standolie) progressivement jusqu'à obtenir une consistance fluide mais pas trop (la peinture forme un ruban épais qui coule à peine du couteau à palette). Il vaut mieux porter des gants en latex. L'opération peut se révéler salissante...

Notre prof peint la plupart du temps en extérieur. Ce système lui permet d'avoir devant lui sur la palette (planche de stratifié de 60x30) tout un "clavier" de couleur, entre 20 et 25 petits pots ouverts dans lesquels il pioche. Il les classe toujours de la même façon, de la plus foncée à gauche à la plus claire à droite.

Pour le stage nous préparons une dizaine de couleurs.

3) Dessin au fusain sur la toile d'un paysage de campagne valonné à partir d'une photocopie en noir et blanc. Notre prof nous suggère de prendre ce modèle uniquement comme un point de départ dont la composition doit être améliorée "nous ne sommes pas des photocopieuses mais des peintres" :-)

4) Fixer le dessin avec de la peinture acrylique, avec un pinceau fin. Essuyer le fusain avec un essui-tout quand la peinture est sèche.

5) Pose des couleurs, notre prof commence toujours par le ciel. De la droite du tableau vers la gauche c'est son habitude. Il utilise le grand couteau pour le ciel. Il le tient très près de la lame, très à plat, petites touches en piochant sur les couleurs qu'il a prélevées dans les petits pots et posées sur sa palette. Le mélange se fait sur la palette et aussi sur la toile.

Nous devons faire le ciel mais pas jusqu'à la ligne d'horizon, ce sera pour la prochaine fois. Chacun utilise les couleurs de son choix. J'ai pris trois couleurs : bleu noir et blanc, tout bêtement. Je sais qu'il faut éviter d'utiliser du noir tout fait mais comme j'en ai autant le prendre cela me fait gagner du temps. Le jaune de la toile apparaît par endroit et donne de la lumière, on comprend l'utilité de ce fond.

(clic pour voir de près)

Je pense mettre en deuxième plan une rivière qui n'est pas sur la photo fournie.

Difficultés/points à améliorer :

- j'ai du mal à dessiner un paysage d'imagination, la perspective de ma végétation s'en ressent.
- je travaille trop vite et fixe avant d'être complètement contente de mon esquisse ce qui m'obligera à rectifier en peignant.
- j'ai du mal à me représenter la forme des nuages et à leur donner forme. Problème pour dessiner d'imagination, encore. Idem pour positionner les couleurs. Mon ciel est trop uniforme, manque de relief et de contraste.
- il y a un coup de main à prendre. Je ne mets pas la lame suffisamment à plat, je travaille par trop grandes touches, je fais des traits involontaires. Ma toile est insuffisamment tendue.

Le geste vient et s'améliore progressivement, j'y arrive mieux avec un couteau à lame plus petite et arrondie. La peinture étant fluide, une couche fine suffit, petites touches et couteau tenu à plat, près de la lame. Couleurs foncées dessous, claires dessus. Support bien tendu. Avoir sa palette sous la toile, reprendre frequemment de la couleur en nuançant les touches, essuyer le couteau au besoin au papier essui-tout que l'on tient dans la main gauche.

C'est une technique propre. Une fois la séance terminée on peut remettre les couleurs encore pures qui sont sur la palette dans les pots. Il n'y a pas de pinceau à nettoyer, des lingettes pour bébé suffisent pour essuyer la planche de stratifié et les couteaux. Les mains sont propres (gants de latex). Pas d'odeur d'essence de térébenthine. On travaille dans le frais plan par plan. Beaucoup d'avantages ! Je ne vois pas les inconvénients. Je pense qu'une fois le coup de main pris on peut arriver à faire des choses très fines. Cette technique est très adaptée à la peinture de paysages sur le motif. Il suffit d'avoir un chevalet de campagne avec tiroir qui permet de poser palette et couleurs. Vite installé, vite nettoyé, vite rangé. Juste faire attention à transporter la toile peinte à plat car la peinture est fluide et risque de couler si on en a mis épais (je n'ai pas ce souci avec le ciel, ma toile est debout et ne coule pas).

Prochaines séances : j'ai fait une recherche documentaire qui devrait servir de béquille à mon imagination et manque de connaissances pour tout ce qui est perspective des couleurs.

J'ai pris quelques paysages d'automne pour utiliser des roux. Mon tableau risque de ressembler à un plat d'épinard si je me cantonne au vert. Des paysages avec plan d'eau également.

Et voilà, j'ai terminé mon paquet de fiches 10 x 15. J'ai beaucoup de carnets de croquis, mais je n'arrive pas à y dessiner, la peur de les "gâcher". Je n'ai pas cette timidité avec mes petites fiches, j'en ai maintenant noirci une bonne pile. Je vais pouvoir entamer le prochain paquet et monter un peu en format, ce sont des 12.5 x 20 cm. L'inspiration sera-t-elle encore au rendez vous ? Les dessins seront-ils différents ?

J'ai acheté quelques feutres posca. C'est de la gouache en fait. Ils permettent de tracer des traits fins à la peinture sur n'importe quoi. Pas testé encore. Mais il ne se prêtent pas à mes dessins sur fiches bristol, en tout cas pas pour le remplissage. Pour ça il me faut des feutres pinceaux.

J'ai eu connaissance des oeuvres de Koekkoek en cherchant des dessins de maîtres dans les galeries à droite à gauche. Le paysage n'est pas ce qui me touche le plus habituellement mais ceux de Koekkoek sont frappants par leur lumière, leurs détails et leur profondeur. L'oeil y plonge et embarque tout le corps avec lui. On a la sensation d'être aspiré quelque part ailleurs, happé par l'horizon lointain.

Les ciels sont extraordinaires, on est ébloui par le soleil qui filtre à travers les nuages.

Ses dessins sont d'une précision redoutable mais j'aimerais bien m'y coltiner. Maîtrise des valeurs et souci du détail. Barend Cornelis Koekkoek est un maître.

Et ses tableaux un remède à la claustrophobie.

Cette fois j'avais mon APN et j'ai photographié le modelage en début de cours pour compléter mon article précédent. Au fur et à mesure ma femme devient de plus en plus stylisée et de plus en plus mince. Aujourd'hui je l'ai évidé en début de séance. Pas évident de ne pas passer à travers. Ce que j'ai fait. Dans ce cas on remet de la matière.

J'ai un gros souci pour la forme de la cuisse et de la hanche. Toujours la difficulté de travailler sans modèle.

Il faut que je demande à quelqu'un de prendre la pose. Mais déjà regarder la photo m'aide à voir ce qui ne va pas. On peut prendre des libertés avec l'anatomie en stylisant jusqu'à un certain point seulement.

Mon autre souci c'est que je n'ai pas le bon geste. J'ai tendance à enlever de la matière quand je veux modeler  au couteau.

Je connaissais les peintures de Toulouse Lautrec mais je n'avais jamais vu ses dessins et études préparatoires. Ils me plaisent et je les trouve intéressants.

Je ne sais pas quel est le support la couleur est proche de celle du carton ou du papier craft

Très peu de couleurs, du noir et du blanc et la couleur du papier en fond... Je veux copier pour étudier la technique.

J'aime l'économie de moyens et la liberté de Toulouse Lautrec dans ses dessins. Il me font penser aux peintures d'Egon Schiele.

Queues de baleines et usine, la Terre nature et la Terre des hommes. Comme d'habitude c'est un dessin automatique où j'ai laissé faire ma main sans réfléchir. Ce n'est que lorsque je le scanne et que je lui cherche un nom que je vois ce que j'y ai mis. Mais vous avez toute liberté d'y voir autre chose. Donner un nom aux dessins leur ajoute quelque chose mais leur en retire aussi.

Il est venu un seul dessin aujourd'hui, comme quoi ce n'est pas quelque chose de garanti... certains jours cela coule comme une source intarrissable. Mais j'aime cet arbre. Pourquoi aime-t-on tel dessin plutôt que tel autre ?

Je dois réfléchir pour le cours de mercredi, trouver un modèle. Idem pour le modelage, j'ai terminé celui en cours. Toujours le même problème... J'ai dans la tête une nuque féminine, une épaule, une tête inclinée, je ne la vois pas précisemment mais "je la sens".

Quand j'étais au collège je m'amusais à écrire de longues lettres aux copines en écrivant de droite à gauche, façon De Vinci. J'ai toujours aimé les signes, les alphabets, je trouve aux lettres quelque chose de magique. On peut les tracer droites, arrondies, la tête en bas, dans le désordre, à l'envers, dans le dépit du bon sens, on les reconnait toujours. Comme on reconnaît partout dans la nature, dans le tronc d'un arbre, dans une pierre, dans une ombre, un visage humain.

Je commence à réfléchir à faire des choses sur bristol en plus grand, peut-être avec des feutres posca.

J'ai eu la chance d'assister à une démonstration de sa technique par le peintre Dominique Maillochon.

Il peint principalement en extérieur sur le motif et réalise ses tableaux en général en un seul jet. Deux choses que j'aimerais faire. Sa démonstration m'a donc intéressée à plus d'un titre.

L'organisation :

Il utilise un chevalet de campagne à tiroir sur lequel il pose sa palette. C'est une planche de stratifié très mince de 60 cm sur 30. Il utilise des boites de pellicules photo en plastique pour ses couleurs, mélange de peinture à l'huile et d'huile de lin polymérisée (la standolie convient aussi nous a-t-il dit).

Pour éviter que ses petites boites ne se renversent il a scié des petits logements circulaires à la scie cloche pour constituer un support fixé au fond de sa palette.

Blouse couvrante et gants latex :)

Les "coups de main"

Il pose la peinture par petites touches effleurant la toile, couteau à plat ou tranchant selon l'effet recherché. Nous avons vu un ciel, de l'herbe, des poteaux, des reflets sur l'eau se poser rapidement, avec à chaque fois un geste particulier. Le "coup de patte" est très intéressant à voir.

Son mélange de peinture et huile est assez fluide et semble "glissant" entre le couteau et la toile. Il ne travaille pas avec une "pâte" comme on pourrait le croire.

La façon de procéder

Il prépare un fond jaune clair à la peinture acrylique (pas de gesso). Dessin au fusain qu'il repasse à l'acrylique (terre de sienne brulée).

Les couleurs sont posées par plans, du plus lointain au plus proche. Il commence par le ciel, puis l'horizon lointain. Dans chaque plan, de la couleur la plus foncée à la plus claire.

Un stage de 3 fois 3 heures va suivre, qui va me permettre d'expérimenter. On pouvait essayer sur sa toile pendant la démo mais je n'ai pas voulu, je ne sais pas pourquoi :)

Pendant le stage nous aurons tous le même modèle, photocopie d'une photo de paysage en noir et blanc que nous peindrons avec les couleurs de notre choix. Je suppose que c'est dans l'objectif de mettre de coté toutes les questions relatives aux mélanges de teintes pour se consacrer uniquement aux questions sur les gestes, objectif principal du stage.

Dominique nous montrera sa manière de procéder pour chaque élément et plan et nous le reproduirons sur notre toile. Pour éviter de gacher celle-ci par des essais, nous aurons la possibilité d'essayer d'abord sur sa toile de démo.

Matériel requis :

Chevalet d'atelier
Fusain
Etuis pellicule photos
Palette stratifiée 60x30
Huile de lin polymérisée
Sopalin
1 pinceau rond et fin (pour repasser le dessin au fusain)
1 pinceau large (pour le fond)
1 toile 12P
Peinture acrylique jaune clair et terre de sienne brulée
White spirit
Peinture à l'huile : blanc de titane, bleu de prusse, jaune de naple foncé, ocre jaune, orange azo, rouge moyen, terre de sienne brulée, terre de sienne naturelle, terre d'ombre brulée, vert de vessie
Couteaux : 1 petit, 1 moyen

Sujet : nature morte, instruments de musique

Je fais connaissance avec le système du chassis à clés. J'ai pris un petit format, toile de lin.

Nous préparons un mélange de gesso, saupoudré d'un peu de blanc de meudon et teinté d'ocre jaune, blanc de titane et terre de sienne brûlée (acryliques). Mes peintures sont de trop mauvaise qualité il reste des petits grains secs de pigment qui ne se mélangent pas.

Application sur la toile en couche fine à l'aide d'une spatule (genre spatule à crêpes) pour éviter les trâces que laisse le pinceau. Il faut passer deux couches et poncer au papier de verre entre chaque.

Croquis préparatoire :

La composition est complexe. J'en ai dessiné la totalité mais nous pouvons n'en retenir qu'une partie. Un élève a pris des photos et doit me les faire parvenir. Nous aurons peu de séance en atelier. Il faut commencer à préparer la toile pour le sujet imposé sur le portrait, avec un fond identique.

Tableau précédent : je dois en corriger les deux ou trois défauts les plus fragrants, val.eur ou dessin et laisser tel que. C'est ce que je préfère également.

(Silke Werzinger)

Je regarde pas mal de choses en ce moment ça passe des vieux maîtres (Ingres, Prud'hon, Watteau et tutti quanti) aux illustrateurs contemporains. Vu ma culture artistique, je découvre... et j'apprends. Je regarde, j'aime, je me demande comment c'est fait.

Je suis toujours attirée par les visages. Je trouve ça fascinant le fait de pouvoir reconnaître un visage dans un dessin simplifié à l'extrême, quelques tâches, quelques traits suffisent. Je trouve que les portraits sont comme des paysages on peut y être aspiré dans un regard comme par un horizon.

Taschen a sorti une série de bouquins sur l'illustration. J'ai feuilleté le n°4 et celui consacré aux portraits. J'ai noté ceux que je préférais et je suis allée voir le site des illustrateurs.

Il y en a beaucoup qui travaillent pour le milieu de la mode, les parfums... à la fin de la matinée j'avais un dégoût des portraits de femmes glamour filiformes et chicos avec un seul oeil. Je ne sais pas ce qu'ils ont tous à ne faire qu'un seul oeil, mais bon ça semble être la tendance.

J'ai tout de même apprécié la balade. Et suis tombée en admiration (entre autres) du coup de crayon de Lapin, Silke Werzinger, Deanna Staffo, Joe Morse... 18 illustrateurs en tout.

Va savoir pourquoi, j'adore les portraits dessinés sur papier quadrillé ou ligné. Et j'aime aussi les portraits mêlés de typographie.

Morceaux choisis dans l'album "Portraits d'illustrateurs". Je reprendrai cet article en cas d'ajout de photos dans l'album.

Au départ cinq ou six caractères d'écriture, simples et inventés. Alignés et répétés comme des "lignes" d'écriture horizontales. D'autres signes sont venus s'ajouter, de plus en plus petits pour former des traces de plus en plus complexes. Au final le dessin se présente de manière verticale. Ensemble de signes identiques et pourtant uniques.

Tracer des formes directement au feutre, sans trembler, s'apparente au tir à la carabine. Cela demande de la concentration, du calme, on arrête de respirer. Quand toutes les formes sont tracées et qu'elles semblent bien s'harmoniser dans une composition équilibrée vient le temps du remplissage. Autre moment zen où c'est au tour des aplats de devoir composer ensemble et trouver un autre équilibre.

A chaque fois, recherche d'harmonie et d'équilibre. Comme si j'organisais le chaos pour en faire quelque chose de serein.

Et curieusement, alors que j'ai toujours soutenu que le monde et les gens ne sont ni noirs ni blancs mais toujours d'une infinité de nuances de gris, mes dessins sont à l'inverse. Des oppositions de contraires. Courbes et droites, pleins et vides, douceur et tranchant, simplicité et complexité. Curieusement aussi, il n'y a aucun modelé. Aucun relief, alors que c'est ce que j'aime habituellement quand je dessine. Ces créations abstraites venues de je ne sais pas où ne sont finalement pas du dessin, mais quelque chose qui s'apparente plus à de l'écriture, à des symboles.

Le 17 novembre 2012, à Aubervilliers. Spectacle de Bartabas, "Calacas". Un grand moment de vie, à regarder des squelettes hilares et grimaçants se trémousser et faire la course sur une musique à faire lever les morts :)

"Bartabas (scénographie et mise en scène), Laurence Bruley (décors et costumes) et Cécile Kretschmar (masques), ont dévalisé José Guadalupe Posada. L’illustrateur et graveur mexicain (1856-1913) est passé à la postérité pour son inépuisable série de squelettes satiriques. Radiographie - au sens propre - de la société de son temps, avec ses paysans, ses bourgeois, ses ivrognes, ses artisans, ses musiciens, l’œuvre de Posada inspire, jusqu’à aujourd’hui, l’iconographie de la Fête des morts au Mexique. Jouets, papiers découpés, sculptures, dessins, crânes en sucre, tout ou presque dans le déploiement festif qui s’organise tous les ans autour du 2 novembre au fil des rues, des vitrines et des cimetières, dérive de Posada." (article Libération)

Encore un Don Quichotte... (Posada)

J'avais peur que le spectacle soit macabre. En fait j'ai beaucoup ri. Le cortège funèbre qui tourne à la poursuite infernale, le cheval danseur de castagnettes... J'ai battu la mesure au rythme fou des joueurs de tambours, qui dansent, qui virevoltent et font la toupie. Je suis redevenue une enfant, les yeux grands ouverts comme des soucoupes, comme à chaque fois devant les spectacles vivants. La piste extérieure, qui permet aux chevaux de galoper autour du public est une trouvaille. J'en veux encore :)

J'aime l'intérieur des églises. J'aime regarder en l'air et avoir le vertige, avoir l'impression de tomber dans un abîme ou de m'élever. Rester bouche bée d'admiration pour ceux qui les ont conçues et ceux qui les ont baties. C'est un peu comme regarder un paysage à l'horizon lointain on est aspiré et on respire. Et en même temps on se sent petit. J'ai eu la même sensation en Egypte, petite fourmi au pied de colonnes gigantesques.

Saenredam était émerveillé aussi par l'intérieur des églises. A n'en pas douter. Je rentre dans ses tableaux comme dans les paysages de KoekkoeK. Et là aussi j'aime la lumière. Mais la perspective est frontale et ça me gêne.

J'aimerais peindre l'intérieur d'une église en contreplongée. Travail en perspective dans tous les sens du terme.

On reconnaît un(e) maître quand ses oeuvres ont une touche unique qui fait qu'on en reconnaît l'auteur au premier coup d'oeil, c'est une caractéristique (mais ce n'est pas le seul critère). Cette touche, cette écriture, ce trait qui lui appartient comme une empreinte digitale.

Les oeuvres de Tamara de Lempicka sont spéciales. Elles sont rondes, douces et fortes en même temps. Leur modelé me fait penser aux personnages numériques en 3D.

Là encore j'ai envie de copier pour voir comment c'est fait. En noir et blanc pour commencer mais aussi en couleurs. J'aime la palette de couleurs de ses tableaux, la netteté des contours, le noir. En les regardant il me vient des images de Mucha.

Je surfe beaucoup en ce moment en attendant la rentrée. Je visite les galeries d'Art virtuelles et je fais ma provision de petites noisettes pour l'hiver. Je découvre, je m'instruis. J'en prends plein les yeux. J'ai des coups de coeur.

Et parfois je prends un coup au coeur. C'est ce qui m'est arrivé ce matin. La faute à Ernest Pignon-Ernest. Ses oeuvres m'ont fait l'effet d'un coup de poing dans l'estomac. La référence à Nagasaki, sûrement. La peau des murs... le coté éphémère papier collé sur les murs. Tout, quoi, ça s'explique pas.

Quand l'émotion est trop forte c'est le corps qui le dit. Une sensation proche du malaise, le coeur qui tape et les larmes. ça n'arrive pas tous les jours et probable que ça laisse des trâces alors ça vaut le coup de le noter le jour où ça arrive.

Et bah voilà, c'est fait.

J'aime ces versions de Don Quichotte. La plupart sont de Daumier. La dernière est de Picasso. J'ai fait ma recherche d'images après avoir dessiné mes propres Don Quichotte. J'avais en tête des personnages de dos qui vont vers quelque chose (les moulins) après un long voyage, de l'obscurité vers la lumière. Je n'ai pas le souvenir des illustrations de l'histoire que j'ai lu étant petite. J'aimerais bien les voir pour les comparer à la version que j'ai dessiné. 

J'ai acheté une règle et un compas. Il y a des rosaces, des arches, des pavages, des cercles et des carrés, qui me trottent dans la tête. Je ne sais pas ce que je vais en faire, juste envie d'une feuille blanche, et commencer à tracer des formes pures.

Retouche numérique

Ma vision de la chambre où Vincent Van gogh a vécu ses derniers jours à l'auberge Ravoux (tableau réalisé par ordinateur à partir d'une photo).

Je suis partie de la photo qui suit. Je l'ai recadrée et poussée vers la simplification, la chaleur, la lumière et l'abstraction. Mais la photo était déjà belle.

L'endroit réel est comme ça:

Dans une des galeries j'ai regardé plus particulièrement trois dessins :

Un dessin de Lucie Beppler, des lignes entrecroisées, pour la lumière et la façon dont les lignes sont tracées, d'un double trait avec du blanc au milieu, comme quand on passe un crayon sur une pliure :

Un d'Alexander Gorlizki :

Et ce dernier de Jonathan Callan, pour l'idée de sujet (les chevelures de couples) :